Dans ce nouvel épisode Pas de côté du podcast Les Sens de la Danse, Myriam Sellam vous emmène au cœur d’un rôle aussi fascinant que vertigineux : Mercutio, dans le ballet Roméo et Juliette de Noureev.

Souvent éclipsé par les amants tragiques, Mercutio est pourtant le véritable point de bascule de l’histoire. Ami de Roméo, provocateur, insaisissable, il incarne une énergie brute, une liberté presque dangereuse. Sur scène, son corps va vite, trop vite — comme s’il dansait déjà au bord du précipice.

À travers ce Pas de côté, découvrez pourquoi ce rôle est l’un des plus intenses du répertoire classique :
— une écriture chorégraphique explosive signée Noureev
— un mélange unique d’humour, de virtuosité et de tragédie
— un moment charnière qui fait basculer tout le ballet

Aujourd’hui interprété sur la scène de l’Opéra Bastille par Andrea Sarri, Mercutio devient un véritable défi pour les danseurs : tout donner, sans retenue, jusqu’à frôler la rupture.

Mais au fond, Mercutio dépasse la danse.

Il incarne la jeunesse, l’insouciance, ce moment fragile où le corps se croit invincible… juste avant que tout ne bascule.

🎧 Un épisode court, immersif, pour (re)découvrir Roméo et Juliette autrement — à travers le prisme du corps, du risque et de l’émotion.

🎙️ Les Sens de la Danse, le podcast qui explore le pouvoir du mouvement : celui qui libère, transforme et raconte ce que les mots ne suffisent pas à dire.

Disponible sur toutes les plateformes d’écoute (Spotify, Apple Podcasts…) et sur YouTube.

Les références citées :
• Roméo et Juliette de Noureev — ballet créé en 1977 pour le Ballet de l’Opéra de Paris, d’après l’œuvre de William Shakespeare
• Andrea Sarri — Premier danseur à l’Opéra national de Paris, interprète du rôle de Mercutio

🎧 Pour prolonger l’écoute, retrouvez l’épisode complet avec Andrea Sarri dans Les Sens de la Danse.

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Aujourd’hui, Andrea Sarri est sur la scène de l’Opéra Bastille, dans Roméo et Juliette de Rudolf Noureev — en Mercutio.

Né à Palerme en 1998, il grandit dans une culture où les garçons ne dansent pas.
Ou plutôt, où ils ne sont pas censés danser.

À 10 ans, il quitte tout pour rejoindre l’École de danse de l'Opéra de Paris.
Depuis, il a gravi chaque échelon de cette hiérarchie si singulière: Corps de ballet, Coryphée, Sujet...Jusqu’à être nommé Premier danseur en janvier 2025.

Quand je l’ai rencontré, c’était quelques jours avant qu’il monte sur la scène du Palais Garnier dans le rôle d’Albrecht de Giselle.

Dans cet épisode, Andrea Sarri revient sur :
— l’enfance qu’on laisse derrière soi
— le déracinement et les choix irréversibles
— le doute, même au sommet
— ce que ça demande, profondément, de tenir

Un échange intime, sur le corps, l’exigence et ce qui nous fait continuer, même quand tout vacille.

🎧 Un épisode créé et animé par Myriam Sellam à (re)découvrir, alors qu’il est actuellement sur scène dans Roméo et Juliette.

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Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, je vous propose d’explorer Ce que le jour doit à la nuit, œuvre emblématique du chorégraphe Hervé Koubi, inspirée du roman de Yasmina Khadra.

Un texte et une pièce au cœur de thématiques puissantes :

identité, mémoire, exil, transmission, héritage franco-algérien.

À travers ce récit, on revient sur un moment fondateur du parcours d’Hervé Koubi :

la découverte tardive de ses origines, son voyage en Algérie et la rencontre avec des danseurs de rue qu’il décrira comme ses “frères retrouvés”.

Un basculement qui va transformer sa manière de créer et donner naissance à une écriture chorégraphique unique, à la croisée de la danse contemporaine et du hip-hop.

Dans cet épisode, on explore aussi une question essentielle :

comment la danse peut-elle devenir un langage universel, capable de relier les cultures et de réparer les histoires ?

Ce Pas de côté vous donne les clés pour mieux comprendre l’univers d’Hervé Koubi et entrer plus profondément dans son travail artistique.

🎧 Pour prolonger l’écoute, retrouvez l’épisode complet avec Hervé Koubi dans Les Sens de la Danse.

💡 Toutes les références (artistes, œuvres, contextes) sont disponibles dans la description de l’épisode principal pour vous permettre d’aller plus loin.

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Hervé Koubi, chorégraphe français de renommée internationale, dont le travail mêle danse contemporaine, hip-hop et héritages culturels.

On revient sur son parcours singulier — de la pharmacie à la scène —, sur sa formation, et sur ce moment fondateur : la découverte tardive de ses origines algériennes.

Un basculement qui le conduit en Algérie, à la rencontre de danseurs de rue qu’il décrit comme ses “frères retrouvés”, et qui transforme profondément sa manière de créer.

À travers cet échange, on explore la question de l’identité, du groupe, de la transmission, et la manière dont la danse peut devenir un langage universel, capable de relier les cultures et de porter une mémoire.

🎙️ DANS CET ÉPISODE

— enfance et formation entre danse et musique
— parcours entre science et création
— découverte de ses origines algériennes
— voyage en Algérie et rencontre avec les danseurs de rue
— groupe, fraternité, transmission
— doute et légitimité artistique
— danse comme langage universel

🎧 Podcast créé et animé par Myriam Sellam.

Photo: Sébastien Lozé

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📚 RÉFÉRENCES & REPÈRES

🎧 Pour mieux comprendre ou approfondir :

👤 Artistes & influences

Hervé Koubi — site officiel
👉https://cie-koubi.fr/

Guillaume Gallienne — Les Garçons et Guillaume, à table !, rapport à l’identité

Roland Barthes — Fragments d’un discours amoureux, pensée de l’intime

Yasmina Khadra — Ce que le jour doit à la nuit, inspiration majeure
https://fr.wikipedia.org/wiki/Yasmina_Khadra

🎬 Références cinéma

Quentin Tarantino — Boulevard de la mort, rapport au corps et à la mise en scène
https://fr.wikipedia.org/wiki/Boulevard_de_la_mort

🏛️ Formation & lieux

Centre International de Danse Rosella Hightower (Cannes)
https://www.pnsd.fr/

Espace 614 — Anne-Marie & Michèle Sanguin, Nathalie Crimi

🎭 Pièces évoquées

Le Golem (2000) — première pièce, autour de la création et de l’identité

Ce que le jour doit à la nuit (2013) — tournant majeur, inspiré du roman de Yasmina Khadra

Les Nuits barbares (2015) — mémoire des civilisations méditerranéennes et histoire des corps

Boys Don’t Cry (2018) — exploration de la masculinité et des émotions empêchées

Sol Invictus (2023) — pièce collective et lumineuse, autour de l’unité et de l’énergie

🌏 Focus — No Matter

No Matter — création internationale réunissant des danseuses sud-coréennes

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Elle l'a retrouvé dans la méditation bouddhiste : concentrer l'esprit sur un point et le travailler. Encore et encore.

Les neurosciences le confirment : ces deux pratiques modifient le cerveau de manière similaire, renforcent l'attention et la conscience de soi. Elles travaillent le même espace, entre le dedans et le dehors.

Méditer n'est pas s'immobiliser. Danser n'est pas maîtriser. Les deux demandent d'accueillir ce qui est là. De travailler avec, pas contre.

Pour Jann, la méditation est devenue sa source créative. Ses idées chorégraphiques naissent de cet espace intérieur cultivé en silence.

Deux disciplines, une seule question : comment habiter ce corps, cet esprit, cette vie avec un peu plus de grâce ?

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Derrière le succès, derrière Chaillot, derrière les tournées qui se multiplient — il y a une souffrance que personne ne voyait. Un traumatisme intérieur. Une fracture profonde. Un moment où le sens disparaît complètement.

Et c'est là, au cœur de cette chute, qu'elle a trouvé un chemin inattendu.

Le bouddhisme. La méditation. Un travail intérieur radical qui a tout changé — dans sa vie, dans sa manière de créer, dans sa manière d'être avec les autres.

On parle de reconstruction. De spiritualité. De ce que ça signifie de se reconstruire quand on a tout misé sur son art. De la différence entre chercher le bonheur dans ses créations… et le construire d'abord en soi.

On parle aussi de transmission. De l'Agora à Montpellier, qu'elle co-dirige aujourd'hui aux côtés de Dominique Hervieu, Pierre Martinez et Hofesh Shechter. Un lieu pensé pour accueillir, soutenir, faire grandir — la création, la recherche, les nouvelles générations.

Et notamment Boost — cette toute nouvelle formation conçue pour les jeunes danseurs autodidactes, éloignés des circuits classiques, qui ont développé une singularité rare mais manquent encore des clés pour s'inscrire dans le milieu professionnel.

Jann Gallois leur dit : votre danse existe. Et tout peut se danser.

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Que signifie vraiment habiter son corps ?

Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, Myriam Sellam propose une exploration sensible et accessible d’une notion au cœur du mouvement : la relation que nous entretenons avec notre propre corps.

À travers la danse, mais aussi la philosophie, la psychologie et l’expérience des danseurs et danseuses, cet épisode interroge une sensation universelle : celle de ne pas toujours se sentir “à sa place” dans son propre corps. Trop grand. Trop petit. Trop visible. Ou au contraire, absent.

Pourquoi certaines personnes semblent pleinement incarnées, quand d’autres ont l’impression d’être en décalage ?
Comment la danse peut-elle devenir un espace de réconciliation ?
Et que se passe-t-il, concrètement, quand on commence à habiter son corps autrement ?

En écho à l’univers de Jann Gallois, ce Pas de côté propose des repères pour mieux comprendre ce que le mouvement révèle de notre identité, de notre rapport au monde, et de notre capacité à nous sentir vivants.

Un épisode court, comme une respiration, pour remettre du lien là où parfois tout semble fragmenté.

🎙️ Les Sens de la Danse
Le podcast qui explore le pouvoir du mouvement : celui qui libère, transforme et relie.

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Jann Gallois, danseuse et chorégraphe majeure de la scène contemporaine dont le parcours singulier relie hip-hop, danse contemporaine et recherche chorégraphique.

Avant d’être chorégraphe, il y a une enfant qui danse dans son salon. Une danse instinctive, presque animale. Puis une formation musicale exigeante, au conservatoire et très vite, un manque : celui de ne pas pouvoir improviser, de ne pas pouvoir exister librement dans le mouvement.

Le hip-hop ouvre une brèche.

Un espace de liberté, d’expérimentation, d’apprentissage autodidacte.

Jann Gallois construit alors son langage en dehors des cadres traditionnels, entre culture des battles et recherche personnelle. Elle développe une approche du corps à la fois instinctive et structurée, nourrie ensuite par la rigueur de la danse contemporaine et des rencontres déterminantes.

Très vite, tout s’accélère : premières grandes scènes, collaborations avec des chorégraphes reconnus, tournées, reconnaissance institutionnelle. Son parcours d’interprète la mène sur des scènes majeures, jusqu’à devenir artiste associée dans des lieux emblématiques de la danse en France.

Mais derrière cette ascension fulgurante dans le monde de la danse et de la création chorégraphique, un décalage intérieur apparaît. Plus le succès grandit, plus une forme de perte de sens s’installe.

Dans cette première partie, Jann Gallois revient sur ces années fondatrices : son rapport au corps, à la scène, à la création, à l’interprétation.

Un parcours entre liberté et exigence, instinct et rigueur, hip-hop et écriture contemporaine.

Un récit profondément humain, au croisement de la danse, de l’identité et de la quête de sens.

Pour aller plus loin

👤 Artistes & influences

– Thony Maskot — danseur hip-hop, figure des battles, influence dans ses débuts
– Peter Goss — structure son regard et son exigence
– Sébastien Lefrançois — premières grandes expériences scéniques (Roméos et Juliettes)
– Sylvain Groud — travail en solo et exploration de l’interprétation (Elles, 2010)
– Angelin Preljocaj — rencontre déterminante dans son rapport à la composition (Royaume Uni, 2012)

🏛️ Institutions & contextes

– Théâtre National de Chaillot — artiste associée plusieurs années
– Festival Suresnes Cités Danse — plateforme majeure du hip-hop chorégraphique
– Agora Montpellier — qu’elle co-dirige aujourd’hui

🎭 Pièces mentionnées

– Roméos et Juliettes — Sébastien Lefrançois
– Elles (2010) — Sylvain Groud
– Royaume Uni (2012) — Angelin Preljocaj

🎬 Créations de Jann Gallois

– 2012 — Fondation de la compagnie BurnOut
– 2013 — P=mg
– 2015 — Diagnostic F20.9

🎥 À découvrir aussi :

👉 Mon entretien avec Angelin Preljocaj : https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/angelin-preljocaj-quand-la-danse-parle-du-vivant

et sur YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=4kSANZx_LQs&t=2041s

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Trois femmes. Trois trajectoires. Mais un même geste : ouvrir la voie.

De la fondation de l’École des Sables par Germaine Acogny, à l’engagement physique et politique du corps chez Nadia Beugré, jusqu’à la radicalité et la désobéissance revendiquée par Nora Chipaumire, ce passage propose des repères essentiels pour comprendre comment la danse contemporaine africaine s’est construite — et transformée.

Ces chorégraphes ont profondément déplacé la place du corps africain sur scène :
un corps qui ne se contente plus d’être regardé, mais qui crée, pense et s’impose.

Un éclairage précieux pour comprendre le parcours d’artistes d’aujourd’hui, comme Jolie Ngemi, et plus largement les enjeux de transmission, d’identité et de création dans la danse.

🎧 Dans ce pas de côté, on parle notamment :
– de la naissance de la danse contemporaine africaine
– de l’École des Sables et de la transmission
– du corps comme espace politique
– des héritages coloniaux et du regard occidental
– de figures féminines majeures dans la danse
– de modèles et de filiation artistique

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast indépendant créé par Myriam Sellam, qui explore le pouvoir du mouvement à travers des récits d’artistes.

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#germaineacogny #nadiabeugre #norachipaumire #lessensdeladanse

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Jolie Ngemi, danseuse et chorégraphe originaire de Kinshasa.

Elle revient sur son parcours : ses débuts entre l’église et la rue, les interdits familiaux, sa rencontre déterminante avec Jacques BanaYanga, puis sa formation à P.A.R.T.S. à Bruxelles.

Elle évoque aussi ses collaborations avec Boris Charmatz et David Zambrano, et la création de son spectacle MBOK’ELENGI.

Au cœur de cet épisode : une idée forte — la joie comme résistance.

Un échange sur le pouvoir de la danse, entre identité, transmission et création

🎧 Un épisode sur ce que la danse permet : tenir, créer… et transformer.

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LES REPÈRES DE L’ÉPISODE

🩰 Artistes & chorégraphes

• Jolie Ngemi
→ https://fr.wikipedia.org/wiki/Jolie_Ngemi

• Jacques BanaYanga
Danseur et chorégraphe congolais, mentor fondateur dans son parcours
→ https://www.instagram.com/banayanga/

• Germaine Acogny
Pionnière de la danse contemporaine africaine, fondatrice de l’École des Sables
→ https://ecoledessables.org/germaine-acogny/

• Nadia Beugré
Chorégraphe ivoirienne, connue pour un travail physique et engagé
→ https://www.nadiabeugre.com/nadia-beugr%C3%A9

• Nora Chipaumire
Chorégraphe zimbabwéenne, figure de la scène contemporaine internationale
→ https://companychipaumire.com/

🎓 Formation & institutions

• P.A.R.T.S.
École internationale de danse contemporaine à Bruxelles, fondée par Anne Teresa De Keersmaeker et Theo Van Rompay

🤝 Collaborations

• Boris Charmatz
Chorégraphe majeur de la scène contemporaine française (Danse de nuit, 10000 gestes)

• David Zambrano
Chorégraphe et pédagogue reconnu pour son travail sur l’improvisation

• Jolie (solo)
Créé avec Ula Sickle (chorégraphe) et Yann Leguay (artiste sonore)

🎵 Univers musical

• Baloji
Artiste belgo-congolais mêlant rap, poésie et identité diasporique
→ https://fr.wikipedia.org/wiki/Baloji

• Fally Ipupa
Chanteur majeur de la scène congolaise contemporaine

• DJ Arafat
Figure emblématique du coupé-décalé
→ https://fr.wikipedia.org/wiki/DJ_Arafat

• Bill Clinton Kalonji
Chanteur et animateur musical congolais
→ https://fr.wikipedia.org/wiki/Bill_Clinton_Kalonji

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Dans ce Pas de côté de Les Sens de la Danse, Myriam Sellam explore un endroit plus discret du mouvement : celui de la faille.

À partir du parcours de Suzanne Degennaro, danseuse et chorégraphe de la scène waacking, cet épisode interroge ce moment où le geste ne suffit plus, où quelque chose échappe, résiste — et devient précisément le point de bascule.

Entre exigence technique, répétition, doute et transformation, la danse apparaît ici comme un espace de recherche plus que de maîtrise.

Un endroit où le corps ne corrige pas immédiatement, mais apprend à rester, à traverser, à se déplacer.

Un regard sensible sur ce que la danse peut révéler, au-delà de la performance.

🎧 Dans ce Pas de côté, on explore :

– la faille comme moteur dans le travail du danseur

– le rapport entre maîtrise, doute et transformation

– le corps comme espace de recherche

– le passage du geste maîtrisé au geste nécessaire

– le lien entre pratique artistique et expérience intérieure

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Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Suzanne Degennaro, artiste et chorégraphe, figure singulière du waacking en France.

Formée au modern’ jazz, au hip-hop et au dancehall, elle traverse plusieurs esthétiques avant de rencontrer — presque par hasard — un langage qui va profondément transformer son rapport au corps : le waacking.

Née dans les clubs queer de Los Angeles dans les années 1970, cette danse est à l’origine flamboyante, rapide, théâtrale. Mais chez Suzanne, elle devient un espace d’exploration intérieure, un terrain de recherche où le geste se dépouille pour toucher à quelque chose de plus essentiel.

Dans cet échange, il est question d’un corps qui cherche, qui doute, qui travaille. D’un rapport exigeant au mouvement, à la précision, à la présence. D’un moment charnière où la danse ne sert plus à montrer… mais impose d’être là, pleinement.

Nous évoquons également deux œuvres qui jalonnent son parcours : LIMBO, son solo, qui explore les zones de transition et d’entre-deux, et STUCK, création de Mounia Nassangar, présentée notamment au festival Groove’N’Move.

Un épisode sur la faille, sur ce qui résiste, sur ces endroits où le corps vacille — et sur la manière dont la danse peut devenir un révélateur puissant de ce que nous traversons.

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LES REPÈRES DE L’ÉPISODE

🎭 Autour de la pièce STUCK
• Mounia Nassangar — chorégraphe
→ Écouter son épisode dans Les Sens de la Danse

• Oumrata Konan — interprète @oumrata_k
• Muteki — interprète @muteki_no_rena
• Waabee — danseur et répétiteur @waabee__
• Nicole Kufeld, Serena Freira, Carla Parcianello — interprètes

💃 Figures et transmission du waacking
• Josepha Madoki — figure majeure en France @princessmadoki
• Arianne Brown — pionnière du waacking @arianebrown_

🧠 Création & parcours
• LIMBO — solo de Suzanne Degennaro
→ exploration de l’identité et de l’entre-deux

🧬 Corps, identité et engagement
• Intersexuation — variation naturelle du corps humain (≈ 1,7 % de la population)
• OII France (CIA-OII France) — collectif pour les droits des personnes intersexes

🔗 Ressources & prolongements
• L’Histoire du Waacking — un Pas de côté
→ À écouter dans Les Sens de la Danse

• Collectif Delacrème
https://www.instagram.com/delacreme.collectif/

• Réseau Attitudes
https://attitudeshiphopdance.eu/

• Saïdo Lehlouh
https://ccnrb.org/collectif-fair-e/membres/saido-lehlouh/

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Pourquoi a-t-on appris aux femmes à immobiliser leur corps pendant la grossesse ?

L

ongtemps, dans de nombreuses cultures, le mouvement du corps faisait partie de la préparation à la naissance. Pourtant, avec la médicalisation progressive de l’accouchement en Europe, la grossesse est devenue un moment où l’on demande souvent aux femmes de ralentir, se reposer, et parfois de ne plus bouger.

Ce Pas de côté revient sur l’histoire de cette transformation du regard porté sur le corps enceinte, et sur les recherches de figures comme Bernadette de Gasquet ou Blandine Calais-Germain, qui ont remis le mouvement, la respiration et la biomécanique du bassin au cœur de l’accompagnement de la maternité.

Un éclairage pour comprendre pourquoi aujourd’hui encore, des pratiques comme la danse prénatale ou le mouvement pendant la grossesse peuvent transformer la manière de vivre cette période.

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Formée à la danse classique, au jazz, au contemporain et au hip-hop, Sonia Duchesne a travaillé comme danseuse et chorégraphe au théâtre, à la télévision et au cinéma. Mais un moment va transformer profondément sa relation au mouvement : la maternité.

Que devient un corps de danseuse quand il porte la vie ?

Peut-on continuer à bouger, respirer, danser pendant la grossesse ?

À partir de cette expérience intime, Sonia Duchesne développe MamDanse®, une approche qui accompagne les femmes pendant la grossesse, l’accouchement et le post-partum. Aujourd’hui, cette méthode est transmise dans des maternités, des cabinets de sages-femmes et des centres spécialisés, et fait également l’objet d’un parcours de formation certifié Qualiopi.

Pour rendre cette approche accessible à toutes, même sans expérience de la danse, elle publie aussi le livre La danse prénatale.

Dans cette conversation, nous parlons :

– du premier souvenir de danse

– du corps qui change pendant la grossesse

– des idées reçues autour du corps enceinte

– du mouvement comme ressource pendant l’accouchement

– du lien entre danse, souffle et féminité

Et puis il y a la scène.

En 2026, Sonia Duchesne signe la chorégraphie du spectacle Voltige, présenté au Théâtre du Petit Montparnasse jusqu’au 26 avril 2026. Le spectacle retrace le destin exceptionnel de Dorine Bourneton, seule survivante d’un crash d’avion à 16 ans, devenue la première femme paraplégique pilote de voltige au monde.

Un épisode sur le pouvoir du mouvement dans les moments de transformation.

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Né dans les clubs queer afro-américains et latino de Los Angeles dans les années 1970, ce style — d’abord appelé punking — s’est développé au cœur de la culture disco et des communautés LGBTQ+ qui trouvaient dans ces espaces un lieu d’expression et de liberté.

Cet épisode revient sur les origines du waacking, ses pionniers, son lien avec l’émission Soul Train, et la manière dont cette danse s’est construite entre performance, attitude et culture club.

Il évoque également l’impact de l’épidémie de sida dans les années 1980, qui a profondément marqué cette génération d’artistes et failli faire disparaître cette culture.

Un détour historique pour mieux comprendre l’histoire du waacking, aujourd’hui pratiqué dans le monde entier et porté par des artistes comme Mounia Nassangar, invitée de l’épisode principal.

🎧 Les Sens de la Danse, le podcast de Myriam Sellam, explore le pouvoir du mouvement et les histoires que les corps racontent.

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Formée entre les battles, les clubs et les scènes contemporaines, Mounia Nassangar a contribué à faire rayonner cette danse née dans les clubs queer afro-latinos de Los Angeles dans les années 1970.

Elle a notamment collaboré avec Jean Paul Gaultier, dansé dans des clips d’Aya Nakamura ou de Travis Scott, et développé un travail artistique singulier entre performance, mode et création chorégraphique.

Dans cette conversation, elle revient sur son parcours, son rapport au waacking et sur un moment de rupture dans sa trajectoire : un burn-out qui donnera naissance à la pièce S.T.U.C.K, présentée notamment au festival Groove’N’Move .

Un échange autour du corps, de la pression de la réussite et de la manière dont la danse peut parfois transformer une chute en puissance.

Dans cet épisode, on parle notamment :

– de waacking et de culture club

– de battles et de transmission

– de création chorégraphique

– de burn-out et de reconstruction

– de la danse comme langage de résistance

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Cet épisode est réalisé dans le cadre de mon partenariat média avec le festival Groove'N' Move qui se tient du 4 au 15 mars 2026 à Genève.

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Bien plus qu’une danse, le sabar est un espace de dialogue entre le danseur et les tambours, entre l’individu et le collectif. Une pratique vivante, sociale et festive, où l’écoute, la précision et l’énergie du cercle façonnent le mouvement.

À travers cet éclairage, on comprend autrement certaines forces qui traversent le travail d’Amala Dianor aujourd’hui : la relation au rythme, le dialogue entre les cultures et cette idée de faire société par la danse, notamment dans sa pièce DUB.

Je suis Myriam Sellam, journaliste et danseuse, et avec Les Sens de la Danse, j’explore le pouvoir du mouvement : ce que la danse révèle de nos corps, de nos histoires et du monde qui nous entoure.

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Amala Dianor, danseur et chorégraphe majeur de la scène française et internationale.

Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse, et je vous propose ici une conversation profonde, intime et politique autour du pouvoir du mouvement.

Né à Dakar, arrivé en France à 7 ans, Amala grandit entre sabar sénégalais, culture hip-hop, Michael Jackson et arts martiaux. Très tôt, la danse devient pour lui un langage, un refuge, un espace de liberté.

De la télévision des années 80 à l’émission de Sidney, des battles en Haute-Savoie et à Angers, jusqu’au Centre national de danse contemporaine (CNDC), il traverse les esthétiques.

Hip-hop, contemporain, néo-classique. Il refuse de choisir. Il refuse de s’enfermer.

« Comment rester libre dans ma danse ? »

Dans cette conversation, Amala revient sur :

– Son enfance au Sénégal et la puissance du sabar

– Son arrivée en France et le choc culturel

– Le racisme et la prise de conscience dans le monde du travail

– Son passage audacieux vers la danse contemporaine

– Son désir de casser les frontières esthétiques

– La naissance de sa compagnie en 2012

– Et la création de DUB, pièce manifeste réunissant 11 danseurs venus de communautés urbaines du monde entier

Avec DUB, Amala cherche à « recréer l’utopie du vivre ensemble sur scène ». Un spectacle lumineux, puissant, profondément politique.

🎟️ Vous pourrez retrouver Amala Dianor au festival Groove'N' Move le 7 mars, où il sera présent avec son travail — une occasion précieuse de voir cette énergie contagieuse sur scène.

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec des artistes, danseurs et chorégraphes, et questionne ce que la danse transforme dans les corps et les trajectoires. Il est partenaire média du festival Groove’N’Move.

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Danseuse amazighe, elle nous a parlé de transmission, de deuil, d’identité.
Mais au-delà de son parcours personnel, une question plus large apparaît :

Que transmet-on quand tout vacille ? Comment le corps devient-il un lieu de mémoire ?

À travers son récit, c’est toute la notion d’héritage culturel qui se dessine — non pas comme folklore figé, mais comme mouvement vivant.

Ce Pas de côté propose une réflexion sur :
– la mémoire incarnée
– la transmission intergénérationnelle
– le rôle du corps dans la construction identitaire

Parce que la danse n’est pas seulement un art.
Elle est aussi un langage. Et parfois, un refuge.

🎧 À écouter en complément de l’épisode avec Raïssa Lei, disponible sur toutes les plateformes.

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Née à Paris, dans le 20ᵉ arrondissement, entre conservatoire, culture hip-hop et héritage nord-africain, elle crée un langage chorégraphique profondément identitaire.

En 2017, elle fonde la compagnie Kif-Kif Bledi.

En 2022, elle lance Timazighin, un projet dédié au matrimoine amazigh.

Son travail interroge la transmission, la mémoire corporelle et la responsabilité de ne pas laisser disparaître une culture.

Dans cet épisode, nous parlons :

– de danse et d’identité

– de waacking et de réappropriation culturelle

– de matrimoine amazigh

– de transmission intergénérationnelle

– de mémoire inscrite dans le corps

Une conversation intime et politique sur ce que signifie continuer.

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast animé par Myriam Sellam, journaliste et passionnée de danse, qui explore le pouvoir du mouvement à travers des artistes aux parcours singuliers.

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Né en 1973 dans le Bronx à New York avec les block parties de DJ Kool Herc et d’Afrika Bambaataa, le hip-hop a aujourd’hui plus de cinquante ans. Des pionniers du breaking, du popping et du locking aux juges de battles contemporains, une génération entière continue d’influencer la scène internationale.

À travers des repères historiques — de l’émission H.I.P H.O.P en France dans les années 1980 à l’entrée du breaking aux Jeux Olympiques de Paris 2024 — cet épisode analyse l’évolution d’une culture née dans la rue et devenue patrimoine vivant.

Que devient le corps hip-hop avec l’âge ? Comment la transmission s’organise-t-elle entre générations ?
Le hip-hop est-il une culture “jeune” ou une culture du renouvellement ?

Un éclairage historique et culturel pour mieux comprendre l’épisode consacré à Sébastien Boucher, danseur, chorégraphe et fondateur du festival Groove’N’Move à Genève.

🎙 Les Sens de la Danse explore le pouvoir du mouvement comme outil de transformation, de transmission et de dialogue entre les mondes.

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Un cercle de danse hip-hop, au milieu d’un club de boxe.
Des corps différents, des styles, des identités. Une énergie brute, instinctive.
Et la sensation qu’à l’intérieur de ce cercle, quelque chose peut changer.

Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, je reçois Sébastien Boucher — danseur, chorégraphe, programmateur et fondateur Groove’N’Move, festival des danses urbaines à Genève.

Figure de la scène underground depuis les années 90, il a vu le hip-hop évoluer des cercles et des battles vers les scènes institutionnelles, les musées et les grandes salles de spectacle.

Son parcours raconte cette traversée : de la rue aux institutions, de l’énergie brute à la programmation culturelle,
du collectif spontané à la transmission organisée.

Avec lui, on parle :

– des premiers cercles et de la culture hip-hop
– de la différence entre battle et rituel
– de la place du hip-hop dans les institutions culturelles
– de transmission intergénérationnelle
– et de la naissance d’un festival devenu une véritable plateforme internationale : Groove’N’Move, qui célèbre en 2026 sa 16e édition et se tiendra du 4 au 15 mars à Genève.

Un épisode sur le pouvoir de la danse à relier les mondes, à décloisonner les territoires et à faire vibrer une ville entière.

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec des artistes, danseurs et chorégraphes, et questionne ce que la danse transforme dans les corps et les trajectoires. Il est partenaire média du festival Groove’N’Move.

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Danser à l’hôpital, au chevet, auprès de personnes malades ou âgées… Cette pratique n’est pas née d’hier.

Dès les années 1960–70, des artistes comme Anna Halprin remettent en question l’idée du corps idéal et ouvrent la danse à des corps réels, vulnérables, traversés par la vie.

Dans les années 1990, la community dance au Royaume-Uni affirme une autre vision : la danse comme lien social, comme espace de présence et de participation, loin de la seule performance.

Comment ces mouvements ont-ils transformé notre regard sur le corps dansant ?
En quoi la danse peut-elle devenir un espace relationnel, sans se substituer au soin médical ?

Ce Pas de côté propose des repères historiques et internationaux pour mieux comprendre comment la danse a progressivement quitté les scènes traditionnelles pour rejoindre tous les corps — quels qu’ils soient.

🎙 Un éclairage complémentaire à l’épisode avec Aude Michon.

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Danseuse et chorégraphe, fondatrice de l’association Elles Dansent, Aude Michon revient sur son parcours personnel, ses choix professionnels, les renoncements nécessaires, et la manière dont son rapport à la danse s’est transformé au fil du temps.

Au cœur de cet échange d’une heure, il est question de danse à l’hôpital, de présence au chevet des patientes, mais aussi des enjeux éthiques liés à l’intervention artistique dans les contextes de soin.

Comment danser avec des corps fragilisés ? Que peut — ou ne peut pas — la danse face à la maladie ? Où se situe la frontière entre art, accompagnement et soin ?

Aude Michon partage également les réalités concrètes de son travail : l’adaptation aux lieux, la relation avec les équipes soignantes, la place du silence, et la nécessité de repenser la notion même de scène.

🔗 POUR ALLER PLUS LOIN

🎥 Découvrir le reportage Elles Dansent, réalisé auprès de femmes touchées par la maladie et mentionné dans cet épisode :

👉https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/episode-special-octobre-rose-elles-dansent-quand-la-vie-fait-un-pas-de-cote

Un épisode qui interroge la danse hors des théâtres, la place du corps vulnérable dans l’histoire de la danse, et ce que le mouvement peut encore transmettre dans des contextes où rien n’est acquis.

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec des artistes, danseurs et chorégraphes, et questionne ce que la danse transforme dans les corps et les trajectoires.

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Dans ce pas de côté, nous prenons quelques minutes pour éclairer cette œuvre majeure : son contexte de création, ses thèmes, et les raisons pour lesquelles Le Parc continue de nous parler aujourd’hui.

Inspirée de l’imaginaire des jardins à la française et portée par la musique de Mozart, la pièce explore les jeux de séduction, le désir, le regard et la relation à l’autre.
Loin d’un récit amoureux idéalisé, Le Parc propose une véritable cartographie du désir : un désir observé, retenu, négocié, inscrit dans les corps et dans le temps.

À travers des scènes devenues iconiques — notamment celle du baiser suspendu — Le Parc interroge la confiance, le consentement et l’abandon, avec une écriture chorégraphique où la lenteur et la précision font émerger une tension rare.

Pourquoi cette œuvre traverse-t-elle les époques ? Parce que notre regard sur l’amour, sur les relations et sur les corps a changé — et que Le Parc change avec nous. Un éclairage sensible et accessible, pour mieux entrer dans l’univers d’Angelin Preljocaj et dans la conversation qui suit.

🎙️ Les Sens de la Danse — le podcast qui explore ce que la danse fait à nos vies.

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Il revient sur son enfance, l’exil de ses parents albanais, et la manière dont ces histoires ont façonné son rapport au corps, à la rigueur et au cadre.

Au fil de l’entretien, il évoque sa formation — de Karin Waehner à Merce Cunningham — et la construction d’une écriture chorégraphique exigeante et profondément structurée. Une danse où la contrainte n’enferme jamais le geste, mais crée les conditions de son surgissement. Il parle de la danse comme d’un art « très puissant », capable de dire ce que les mots ne savent pas formuler, et de relier les corps à l’espace et au temps.

L’épisode explore son processus de création, la place du collectif, les collaborations artistiques, et la transmission de la danse dans des contextes variés : prisons, hôpitaux, écoles, espace public. Une conviction traverse tout l’échange : la danse est un acte de relation, profondément ancré dans le réel, et une manière d’aller vers l’autre.

Angelin Preljocaj aborde également le temps long, la finitude, et son rapport à la mort à travers Requiem(s), une pièce pensée non comme une représentation de la disparition, mais comme une manière de réaffirmer le vivant.

Alors que la pièce Le Parc, créée en 1994, sera reprise à l’Opéra Garnier du 3 au 25 février 2026, cet épisode propose un retour sur Angelin Preljocaj, en explorant l’origine du geste, la pensée du corps et ce que la danse permet de dire.

Un épisode dense pour entrer au cœur de l’œuvre d’un chorégraphe majeur — au plus près de ce qui le met en mouvement.

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Cet épisode a été enregistré au Théâtre des Champs-Élysées, que je remercie chaleureusement pour son accueil et la mise à disposition d’un espace de travail, propice à cet échange.

Photo: Julien Bengel

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Compagnie mythique basée à New York, l’American Ballet Theater incarne une vision du ballet à la fois exigeante, vivante et profondément ouverte, où les traditions classiques dialoguent avec la création contemporaine, les identités multiples et le monde d’aujourd’hui.

À travers ce détour, l’épisode interroge ce que représente une grande institution chorégraphique : un lieu de transmission, de renouvellement, mais aussi de mouvements intérieurs, de choix artistiques et de chemins singuliers.

Un pas de côté pour regarder la danse autrement. Pour comprendre comment une maison emblématique peut devenir un espace de respiration, d’évolution et de liberté du corps.

🎙️ Un épisode qui s’adresse autant aux passionnés de ballet qu’à celles et ceux qui aiment explorer ce que la danse raconte du monde.

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Formé à l’American Ballet Theatre à New York, puis au San Francisco Conservatory of Dance, Thibaut Eiferman a construit son langage chorégraphique entre rigueur classique et recherche contemporaine. Il a dansé au sein de compagnies majeures comme Ballet BC au Canada, Ate9 à Los Angeles, avant de rejoindre Batsheva en Israël, la compagnie mythique dirigée par Ohad Naharin.

Dans cette conversation au long cours, il revient avec sincérité sur son parcours non linéaire, les déplacements géographiques, les remises en question, et la manière dont la danse est devenue pour lui bien plus qu’un métier : une nécessité vitale. Il évoque sa découverte du Gaga, ce langage du mouvement fondé sur la sensation, l’écoute du corps et la vérité du geste, qu’il enseigne aujourd’hui en France et à l’international.

Thibaut parle aussi de sa pièce HHH (Hand, Heart, Head), création primée à l’international, née d’un geste presque punk, interrogeant les normes du corps, la masculinité et le rapport à l’autorité. Il partage enfin sa recherche actuelle, au croisement de la danse et des arts visuels, menée dans le cadre d’une résidence à la Cité internationale des arts et à l’Académie des Beaux-Arts, autour de la gravité, de la matière et de la fragilité.

Un épisode  sur le pouvoir de la danse, le corps comme lieu d’ancrage, et le mouvement comme espace de vérité.

🎧 Les Sens de la Danse, le podcast qui explore le pouvoir du mouvement.

Photo: Quentin Chevrier

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À travers ce détour par les coulisses, il ne s’agit pas d’expliquer, ni de commenter, mais de déplacer le regard. De s’interroger sur ce que certains espaces racontent d’un métier, d’un statut, d’un passage.

La loge n’est pas ici un lieu anodin. Elle dit quelque chose du rapport au corps, au temps, à l’attente.
Elle marque une frontière, un avant et un après.

Ce pas de côté invite à écouter autrement l’épisode, à prêter attention à ce qui ne se voit pas sur scène et à ce que ces zones silencieuses disent de la danse, de l’engagement, et de la place que l’on occupe.

Un moment à part, pour rappeler que dans la danse, ce sont parfois les marges qui éclairent le centre.

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C’était le premier épisode du podcast. Elle était alors Première danseuse à l’Opéra national de Paris.

Quelques mois plus tard, le 28 décembre 2024, à l’issue d’une représentation de Paquita sur la scène de l’Opéra Bastille, son nom est prononcé devant le public.

Roxane Stojanov est nommée Danseuse Étoile.

Un an après cette nomination, je la reçois à nouveau. Pour prendre le temps. Faire un point.
Et regarder ce que devenir Étoile change vraiment — et ce que cela ne change pas.

Dans cet entretien, Roxane Stojanov parle du travail, du corps, des rôles qui comptent, du regard qui évolue.
Et elle fait une confidence, rare, intime, qui éclaire autrement son parcours et cette année charnière.

👉 Retrouvez ici le premier épisode avec Roxane Stojanov (mars 2024) :
https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/roxane-stojanov-premiere-danseuse-de-l-opera-national-de-paris

Si cet épisode vous a touché, interrogé ou accompagné, pensez à vous abonner aux Sens de la Danse sur votre plateforme d’écoute ou sur YouTube et à partager vos impressions.

Un podcast de Myriam Sellam.

Photo: © James Bort

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De l’Afrique de l’Ouest aux Amériques,
des danses sociales afro-américaines aux cultures urbaines,
ce segment replace certaines formes de danse dans une histoire plus large, souvent peu visible : celle de pratiques développées en dehors des institutions, dans des lieux accessibles, temporaires, partagés.

Sans interprétation ni conclusion,
ce pas de côté apporte des repères factuels pour comprendre comment la danse s’est transmise par les corps, le mouvement et l’expérience collective, bien avant d’être codifiée ou institutionnalisée.

Un temps de contextualisation pour mieux saisir ce que la danse met en jeu lorsqu’elle devient un lieu de rencontre, de continuité et de transmission.

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des parcours, des pratiques et des regards croisés sur la danse aujourd’hui.
Disponible sur toutes les plateformes d’écoute.

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À travers S.W.A.G., la danse dépasse le cadre du studio pour devenir un espace de rencontre, un cadre commun, et un outil de lien entre des personnes aux trajectoires très différentes.

Dans cet épisode, il est question de :


– programmes sociaux menés auprès d’enfants placés et de publics en situation de handicap


– travail avec des artistes venus d’ailleurs


– occupation de l’espace public par la danse


– création d’événements mêlant mouvement, parole et expérience partagée


– naissance d’une compagnie, comme prolongement artistique du projet


– place du corps et du collectif, loin des carcans et des rôles assignés

Pauline revient également sur la manière dont ce projet, construit dans l’indépendance, a trouvé un écho plus large, jusqu’à donner lieu à une prise de parole au format TEDx, pour mettre en mots ce que la danse rend possible sur le terrain.

Un échange qui montre comment la danse, lorsqu’elle est prise au sérieux, peut :


– créer des cadres


– faire circuler du lien


– ouvrir des espaces communs


– et proposer une autre manière d’être ensemble, qui ne passe pas d’abord par les mots

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir de la danse à travers des parcours, des pratiques et des expériences sensibles, sociales et artistiques.

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Très belle écoute

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Dans ce Pas de côté, Les Sens de la Danse propose une parenthèse pour prendre du recul et prolonger l’épisode du dimanche.
Une réflexion sensible et accessible sur la danse comme espace d’accueil, de rencontre et de relation, au-delà des mots, des statuts ou des parcours.

Un format court, pensé comme un écho à l’épisode principal, pour explorer ce que le mouvement permet quand on le regarde autrement.

🎧 Un Pas de côté à écouter comme une respiration, pour élargir le regard et ouvrir la réflexion.

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Un lieu où la danse n’est ni un spectacle, ni une compétition, mais un acte de lien, un geste pour se rencontrer, un moyen de faire société.

À travers son parcours, Pauline raconte ce que signifie écouter une voix intérieure, oser y croire, et surtout choisir de ne pas construire seule.

Avec Chloé, elle porte une conviction simple et puissante, formulée un jour par ces mots :

« Nous ne vivons pas une crise migratoire.
Nous vivons une crise de l’accueil. »

Chez S.W.A.G., la réponse aux frontières, aux exclusions et aux étiquettes collées aux corps est d’une simplicité presque désarmante :
dansons.

Danser pour se rassembler, même sans se ressembler.
Danser pour se libérer de ce qui enferme.
Danser pour être ensemble.

Aujourd’hui, S.W.A.G. existe à Paris et Marseille, avec des professeurs venus du monde entier, des élèves de tous âges, des corps qui doutent, qui osent, qui se redressent.
Et une conviction profonde : la danse peut changer une trajectoire — parfois même une vie.

🎧 Dans cette première partie, nous posons les fondations :

• la naissance de S.W.A.G. Studio

• les intentions et les convictions du projet

• le chemin parcouru depuis le sous-sol jusqu’à aujourd’hui

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Un temps pour réfléchir à ce qui nous relie. À ce qui nous élève. À ce qui, par les temps qui courent, reste essentiel.

Dans cet épisode voix seule, il est question de mouvement comme langage premier, de danse comme geste ancien, collectif, presque rituel.

Un geste qui traverse les âges, accompagne les passages et continue d’exister quand tout se durcit.

Sans analyse, sans témoignage, ce texte explore ce que la danse permet encore aujourd’hui : rester ouvert, maintenir du lien, préserver un espace de liberté et de vivant.

Un épisode de fin d’année,comme un vœu discret adressé au corps, au mouvement, au commun.

Si cet épisode vous touche, n’hésitez pas à vous abonner à Les Sens de la Danse et à soutenir le podcast.

Très belles fêtes de fin d'année et rendez-vous dimanche prochain pour ouvrir ensemble une nouvelle saison.

Je vous souhaite une très s belle écoute,

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Cet épisode n’est ni un bilan, ni un best-of.


C’est un moment, 
un geste de reconnaissance 
pour toutes celles et ceux qui ont accepté de partager leur parcours, leur regard, leur rapport au mouvement au fil de l’année 2025.

Merci à


France Schott Billmann,


Svetlana Panova,


Aurélien Lehmann,


Sofiane Chalal,


Jemi Van Dijk,


Veronica Christiny,


Nelson Ewandé,


Queensy,


Cédric Andrieux,


Yann Antonio,


Andrea Sarri,


Aurélia Monaco,


Claire Francisci-Ducret,


Bruce Ykanji,


Aurélie Lili Boo,


Karl Paquette,


Fabienne Haustant,


et Ruben Molina.

Autant de voix singulières.
Autant de manières d’habiter le corps, la danse, le monde.

Si certains épisodes vous ont marqué,
 si d’autres vous ont échappé,
 c’est peut-être le moment de les (ré)écouter,
de vous laisser traverser à nouveau par ces récits,
ces gestes,
ces élans.

Et si Les Sens de la Danse résonne pour vous,
 n’hésitez pas à vous abonner au podcast
pour continuer à explorer, ensemble,
le pouvoir du mouvement.

Un épisode pour fermer l’année en douceur,
et laisser résonner
 les Sens de la danse.

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Cette capsule audio revient sur les origines du flamenco, son développement dans les cafés-concerts, la structuration des styles flamencos, et le rôle essentiel de la transmission à travers les écoles, les conservatoires et les lieux emblématiques de formation.

Pensée comme un repère pédagogique, cette capsule permet de mieux comprendre le flamenco contemporain, son évolution, et la manière dont les artistes d’aujourd’hui s’inscrivent dans une histoire longue, vivante et en constante transformation.

Un contenu idéal pour celles et ceux qui souhaitent découvrir le flamenco, approfondir leur culture chorégraphique, ou enrichir leur écoute des épisodes consacrés à la danse flamenca.

🎙️ Les Sens de la Danse est un podcast sur la danse imaginé et animé par Myriam Sellam, journaliste et danseuse passionnée, dédié au pouvoir du mouvement, à la transmission artistique et aux parcours de danseurs et chorégraphes.

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Très belle écoute

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Rubén grandit dans une Andalousie où la danse se vit avant de se penser, où le corps devient expression, refuge, liberté. Très jeune, il comprend que le geste peut raconter ce que les mots ne savent pas dire. Cette intuition le conduit d’abord au Conservatoire de Cordoue, puis au Conservatoire supérieur de Madrid, où il explore la rigueur du flamenco technique autant que son intensité émotionnelle.

Il poursuit sa formation à Amor de Dios, studio emblématique du flamenco contemporain, lieu de passage où se croisent maîtres, danseurs et chercheurs du mouvement. Là, il apprend à écouter son corps autrement : dans la verticalité, dans le compás, dans la tension du regard, dans cette manière unique qu’a le flamenco de raconter la vie.

Rubén élargit ensuite ses horizons en partant à Londres, au contact de la danse contemporaine. Cette rencontre transforme radicalement son approche : son flamenco devient un espace plus ouvert, plus poreux, où se rencontrent l’ancrage andalou et la liberté du contemporain. Au fil de sa carrière, il danse dans des compagnies espagnoles, voyage, crée, et multiplie les collaborations artistiques, notamment avec Christian Louboutin, mêlant la scène au monde de la mode et de l’image.

Dans cet épisode, Rubén raconte son chemin, ses passages, ses blessures, les moments de rupture et ceux qui ont tout réinventé. Il parle aussi de La Salida, son œuvre la plus intime : une pièce sur la transformation, la mémoire, les femmes qui ont marqué son parcours, et ces portes que l’on franchit pour se rapprocher un peu plus de soi.

C’est une conversation menée par Myriam Sellam, où on traverse l’histoire du flamenco, la création contemporaine, la transmission, l’identité, et ce lien essentiel entre le corps et la vie. Une rencontre qui dévoile ce que la danse peut ouvrir : un espace intérieur, un territoire sensible, un mouvement vers soi.

Si cet épisode résonne pour vous, je vous invite à vous abonner au podcast et à laisser un avis.

Votre soutien est précieux : il permet à ce projet indépendant de continuer à vivre, à grandir et à faire rayonner les voix de celles et ceux qui donnent sens à la danse.

Très belle écoute,

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D’où vient cet ordre honorifique ?
Quelle est son histoire ?
À quoi sert-il aujourd’hui dans le paysage culturel français ?
Et qu’est-ce que cela signifie, concrètement, pour une artiste ou un artiste qui le reçoit ?

Entre repères historiques, enjeux symboliques et éclairage sur la place de la danse dans cette reconnaissance institutionnelle, cette capsule vous offre une mise en perspective accessible et référencée — un pas de côté pour mieux saisir l’importance de cette distinction dans un parcours artistique.

Je suis Myriam Sellam, et chaque semaine dans Les Sens de la Danse, je vous accompagne au cœur des mouvements qui façonnent la création.

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Cet épisode explore aussi :

• la création de son spectacle ,

• son lien avec le Krump et l’improvisation,

• la manière dont elle adapte son corps et sa danse à la malvoyance,

• son engagement artistique auprès de publics variés,

• et la reconnaissance institutionnelle qui marque une étape importante : son titre de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres.

À travers ce dialogue intime et inspirant, Les Sens de la Danse interroge la résilience, la perception du mouvement, la scène, la visibilité et le rôle du corps dans les parcours artistiques.

Un épisode essentiel pour comprendre comment la danse peut rester un espace de liberté, même dans les moments de fragilité.

Présenté et réalisé par Myriam Sellam.

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Dans Un Pas de Côté, je vous propose un voyage à travers le temps, loin des studios modernes et des pratiques contemporaines, pour découvrir que danser les yeux fermés n’a rien d’une invention récente.

Bien avant les ateliers sensoriels d’aujourd’hui, fermer les yeux pour bouger était un moyen d’entrer dans un autre état : un rituel pour écouter le souffle, une porte vers l’intuition, un moyen de sentir le monde plutôt que de le regarder.

Dans ce récit immersif, nous remontons aux danses des derviches tourneurs, aux pratiques chamaniques, aux rituels africains et polynésiens, mais aussi aux méthodes somatiques qui ont transformé la danse au XXᵉ siècle. Nous explorons comment l’obscurité, l’absence de vision et le lâcher-prise ont façonné des traditions entières, souvent oubliées aujourd’hui.

Fermer les yeux, c’est réapprendre à sentir. C’est retrouver une liberté ancestrale. C’est danser loin du regard, avec le corps comme seule boussole.

Une capsule pour enrichir l’épisode consacré à Fabienne Haustant, et comprendre pourquoi sa démarche résonne avec des pratiques bien plus anciennes qu’on ne l’imagine.

Bienvenue dans Un Pas de Côté, je suis Myriam Sellam, et je vous emmène sur les traces d’une danse instinctive, intime et profondément humaine.

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Malvoyante depuis l’enfance, elle a appris à ressentir avant de voir, à écouter avant de regarder, à laisser son corps parler lorsqu’il n’y avait plus de mots.

Sa danse n’est pas un style : c’est un langage intérieur.
Un souffle.
Une pulsation.
Une manière d’habiter le monde autrement — de l’intérieur, littéralement.

Dans ce premier épisode, je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse, et je plonge avec Fabienne dans ce lien viscéral au mouvement, né très tôt dans une enfance fracturée où la danse a été un refuge autant qu’un instinct de survie.

Fabienne raconte son rapport singulier à l’espace, à la perception, à l’intuition, et cette énergie brûlante qui l’a accompagnée toute sa vie.

Ensemble, nous évoquons :
• sa manière unique de percevoir le monde avec un champ visuel fragmenté,
• son lien intime à la danse comme ancrage, comme respiration,
• l’enfant intérieurement vieille qu’elle était déjà, et la femme puissamment vivante qu’elle est devenue,
• son humour, son instinct, son autodérision,
• et cette décision folle, un jour, de créer Danse les yeux fermés : une approche où la vue s’efface pour laisser place à la sensation.

Ce premier épisode est une plongée dans la source : dans ce que la danse révèle lorsque l’on cesse de vouloir être regardé, dans ce qu’elle transforme lorsqu’on s’autorise, simplement, à bouger pour soi.
Une rencontre puissante, sensible et bouleversante, qui interroge nos perceptions et notre rapport au corps.

La suite du parcours de Fabienne — ses scènes inattendues, ses rencontres déterminantes, son passage à La France a un incroyable talent, son expérience auprès de Kamel Ouali, la création d’un spectacle dans le noir et son titre de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres — vous attendra dans la seconde partie.

Bienvenue dans Les Sens de la Danse. Je suis Myriam Sellam, et je vous emmène à la rencontre de celles et ceux qui dansent… même quand le monde semble leur dire le contraire.

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Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse.
Dans cet épisode court, je remonte aux origines de l’œuvre, à son contexte de création et aux repères historiques qui éclairent encore sa lecture actuelle. Il ne s’agit pas de raconter l’intrigue ni de révéler les scènes emblématiques, mais de tracer les lignes de force qui expliquent pourquoi La Belle au Bois dormant est devenue un monument du répertoire classique — un ballet dont la structure, l’esthétique et la tradition continuent d’influencer celles et ceux qui le transmettent.

Cette mise en perspective prépare l’écoute de l’entretien avec Karl Paquette : elle replace son regard dans une histoire qui le dépasse et lui donne toute sa résonance. Ce que l’on comprend d’un ballet change quand on connaît d’où il vient — et ce qu’il continue de porter.

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Ce nouvel épisode explore les émotions de scène, le rapport intime à la responsabilité d’un rôle, la confiance absolue du partenariat, les soirs où tout bascule… et ce moment unique du 31 décembre 2018, où Karl fait ses adieux dans Cendrillon après vingt-cinq années de carrière à l’Opéra de Paris. Un témoignage rare, subtil, profondément humain.

Karl revient aussi sur la transmission, son métier de pédagogue à l’École de danse de l’Opéra, et sur son lien singulier avec les jeunes danseurs.
Il évoque également son travail autour du conte et de la dramaturgie, notamment à travers La Belle au bois dormant, une œuvre qui traverse toute l’histoire du ballet et qui continue d’inspirer de nouvelles générations de spectateurs.

Au fil de cet épisode, vous entendrez :
• comment un danseur Étoile vit ses dernières représentations,
• ce que la scène lui a appris sur lui-même,
• comment on transmet un héritage sans le figer,
• pourquoi certains conseils reçus en studio peuvent façonner une carrière entière,
• et combien la danse peut encore toucher celles et ceux qui découvrent leur premier ballet, parfois à 7 ans… ou à 80 ans.

Entre confidences, rire, précision technique et réflexions profondes, ce second volet offre une plongée unique dans l’univers de l’Opéra de Paris, entre tradition, exigence et liberté intérieure.

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Un hommage discret, mais essentiel, à une grande figure de l’Opéra national de Paris : Patrice Bart, maître de ballet, ancien danseur étoile, chorégraphe, pédagogue d’exception, disparu le 6 octobre 2025.

À travers ce portrait, je reviens sur son rôle unique dans la Maison, sur son héritage artistique — façonné auprès de Rudolf Noureev, nourri par des décennies de transmission — et sur l’empreinte indélébile qu’il laisse dans la danse française.

Mais surtout, vous entendrez combien il a compté pour Karl Paquette, danseur étoile invité de cette saison.
Comment un conseil, une phrase, une façon de regarder un danseur peut changer une carrière.
Comment l’œil d’un maître peut réorienter une vie entière.

Un épisode pour tous ceux qui aiment l’Opéra de Paris, son histoire, ses figures silencieuses mais essentielles.
Un épisode pour celles et ceux qui veulent comprendre comment se construit un danseur, comment se transmet une tradition, comment un geste se perpétue.

Sans tout dévoiler, vous y trouverez :
• des repères historiques,
• des souvenirs précis,
• une parole rare sur l’art du maître de ballet,
• et un hommage profondément humain.

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Un artiste dont le parcours force l’admiration : nommé Étoile le 31 décembre 2009 après un Casse-Noisette de Rudolf Noureev, il a marqué plus de vingt-cinq années de scène par sa générosité, sa rigueur et un lien unique avec le public.

Dans cette première partie, Karl revient sur :

✨ Ses débuts : de l’expression corporelle au studio de Max Bozzoni, figure essentielle de la danse classique.

✨ Son entrée à l’École de danse de l’Opéra à 10 ans, sous la direction de Claude Bessy.

✨ Ses premières années dans la compagnie, sa progression rapide et ses remplacements de dernière minute qui ont fait de lui “le danseur qu’on appelle pour sauver une représentation”.

✨ Ses doutes, ses blessures et ses forces, et la manière dont il a transformé ses “défauts” en signature artistique.

✨ Des anecdotes savoureuses, des moments drôles, et des confidences touchantes sur son parcours.

✨ Sa passion pour la transmission, héritée de sa famille et ancrée dans sa nouvelle vie de professeur à l’École de danse de l’Opéra.

Fils de professeurs, Karl Paquette porte en lui l’envie de transmettre.

Il fait aujourd’hui découvrir la danse classique au jeune public à travers sa trilogie :

🩰 Mon Premier Lac des Cygnes

🎄 Mon Premier Casse-Noisette

👑 Et tout juste lancé cette semaine : Mon Premier La Belle au bois dormant (15 novembre 2025 → 8 mars 2026), où il incarne également la Fée Carabosse.

Dans cet épisode, Karl nous parle avec sincérité de ce qui construit une carrière : la discipline, la passion, l’humilité…

Et de ce qui construit un artiste : le courage d’être soi.

🎧 Dans la seconde partie, Karl reviendra en profondeur sur :

— ses plus grandes émotions de scène,

— son rapport au temps et au corps,

— ses adieux du 31 décembre 2018 dans Cendrillon, l’un des moments les plus forts de sa carrière,

— la vie après le Ballet de l’Opéra,

— et sa vision de la transmission comme acte d’amour et d’héritage.

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Dans cette capsule d’Un pas de côté, Les Sens de la Danse vous emmène au cœur du cercle, là où la danse cesse d’être un spectacle pour devenir un miroir :
un espace d’humanité, de courage, d’abandon.

Cette réflexion s’inspire des rencontres que j’ai eues avec trois artistes majeurs passés par le battle :

– Sofiane Chalal,
dans les épisodes :
🎧 Épisode 1 —S'affranchir des normes par la danse – avec Sofiane Chalal
🎧 Épisode 2 — https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/sofiane-chalal-il-n-a-pas-change-son-corps-il-l-a-mis-en-lumiere-episode-2
🎧 Épisode 3 — https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/sofiane-chalal-il-n-a-pas-change-son-corps-il-l-a-mis-en-lumiere-episode-2

– Nelson Ewandé,
danseur d’exception et multiple champion,
🎧 Épisode 1 — https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/comment-nelson-ewande-est-devenu-le-danseur-de-hip-hop-le-plus-titre
🎧 Épisode 2 —https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/nelson-ewande-transmettre-pas-seulement-briller-episode-2

– Bruce Ykanji,
fondateur du Juste Debout et figure incontournable du hip-hop mondial,
🎧 Partie 1 — https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/bruce-ykanji-faire-tenir-un-empire-just-debout
🎧 Partie 2 —https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/bruce-ykanji-la-20eme-edition-du-juste-debout-ne-sera-pas-a-l-accor-arena

À travers leurs visions réunies, le battle apparaît soudain pour ce qu’il est vraiment : un rituel, une épreuve, une rencontre.
Un instant où le corps révèle ce que les mots taisent.

🎧 Un pas de côté, la capsule du podcast Les Sens de la Danse, écrite et racontée par Myriam Sellam.

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C’est une histoire, un héritage, un symbole.
Depuis plus de vingt ans, Bruce Ykanji a su transformer une passion en un mouvement mondial — un lieu de rencontre pour des milliers de danseurs venus des quatre coins du globe.

Mais pour sa 20ᵉ édition, un grand changement se prépare.
Un virage symbolique, fort, qui marque une nouvelle étape dans cette aventure humaine et artistique.

🎙️ Et c’est dans Les Sens de la Danse que Bruce Ykanji a choisi de s’expliquer sur ce tournant.

Il y dévoile les raisons profondes de cette décision, son rapport à la transmission, et la manière dont il imagine l’avenir du Juste Debout — entre fidélité et renouveau.

Dans cette seconde partie d’entretien, on entre au cœur de son univers.

On parle de transmission, de pédagogie, de sa volonté de créer des ponts entre les générations.

Bruce revient aussi sur la Juste School, son espace dédié à l’enseignement du hip-hop,
et sur la Juste Cruise, dont la deuxième édition s’apprête à embarquer danseurs, passionnés et artistes pour un voyage inédit : quatre jours sur un bateau où la danse devient un langage commun, universel, vivant.

Et puis, on aborde aussi son rapport à l’entrepreneuriat.
Car pour Bruce, le business n’est pas un frein à la création : c’est un moyen de lui donner de l’ampleur.
Produire, structurer, transmettre — autant de façons de faire vivre la danse en dehors de la scène.

À travers ce parcours exceptionnel, il montre qu’un artiste peut être à la fois créateur, pédagogue et bâtisseur.

💫 Un épisode inspirant, qui interroge notre rapport à la réussite, au collectif et à la liberté.

🎧 Les Sens de la Danse, le podcast qui explore le pouvoir du mouvement.

Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice de ce podcast.

Si cet épisode vous inspire,
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C’est grâce à vous que la danse continue de voyager.

———

🔸 Invité : Bruce Ykanji
🔸 Thèmes : danse hip-hop, création, transmission, entrepreneuriat, pédagogie, Juste Debout, Juste School, Juste Cruise.
🔸 Épisode enregistré à Paris.

#BruceYkanji #LesSensDeLaDanse #PodcastDanse #JusteDebout #HipHop #Danse #DanseUrbaine #CultureHipHop #Transmission #Inspiration #DanserPourVivre

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Né dans les rues du Bronx au début des années 1970, le mouvement s’est d’abord exprimé au sol, dans la force brute du breakdance — une danse de défi, d’énergie et de survie.
Mais pendant que les corps tournaient sur le bitume new-yorkais, une autre révolution se préparait sur la côte ouest : celle des danses debout.
À Los Angeles, Don Campbell invente le locking ; à Fresno, Boogaloo Sam crée le popping avec les Electric Boogaloos ; dans la Bay Area, les danseurs de boogaloo font du mouvement un langage poétique.

Ces styles, plus musicaux et expressifs, donneront naissance au waacking, à la house dance et au hip-hop freestyle,
ouvrant un nouveau chapitre de l’histoire du corps.

Arrivé en France dans les années 1980 grâce à l’émission H.I.P H.O.P animée par Sidney, le hip-hop devient un terrain d’expression pour toute une génération.
Et c’est au début des années 2000 que Bruce Ykanji rend hommage à ces danses debout en leur offrant enfin une scène mondiale : le Juste Debout.

Dans cette capsule, on revient sur cette double histoire —
celle des danseurs au sol et de ceux qui se tiennent debout.
Deux gestes, deux postures, un même message :
celui d’un corps qui refuse de plier.

🎧 Un pas de côté — une série de capsules du podcast Les Sens de la Danse,
racontée par Myriam Sellam.

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Fondateur du plus grand événement de danses hip-hop debout, créateur de la Juste Debout School et entrepreneur infatigable, Bruce continue, plus de vingt ans après, à faire rayonner la culture hip-hop dans toute sa diversité.

🎙️ Dans cet épisode, il raconte :
— ses premières influences, la découverte du hip-hop à travers une simple cassette vidéo et l’émergence des premiers crews comme TKS – The Criminal Starz, dont la devise était déjà tout un manifeste : « Est-ce un crime d’être une étoile ? » ;
— son parcours autodidacte, des scènes underground aux grandes tournées (notamment avec MC Solaar ou la comédie musicale Les Dix Commandements) ;
— la création du Juste Debout en 2002, pensé comme un espace pour mettre en lumière les danses debout (locking, popping, hip-hop, house…) souvent éclipsées par le breakdance ;
— et sa réflexion sur le rapport entre art et structure, entre passion et entrepreneuriat, pour permettre à la culture hip-hop de se professionnaliser sans se perdre.

Derrière le producteur, on découvre un homme de vision et de conviction.

Au fil de la conversation, Bruce Ykanji revient aussi sur la nécessité de garder son indépendance face aux institutions, sur l’importance de la liberté artistique, et sur la manière dont la danse a façonné son rapport au monde.

Et, au détour d’une phrase, il me révèle un scoop autour de la 20ᵉ édition du Juste Debout, un indice pour les passionnés de la première heure… mais le secret, lui, sera dévoilé dans la suite de cet entretien.

💬 Un épisode fort, intime et lucide, où il est question de mouvement, de transmission, et de cette ligne de crête entre la création et la construction.

🎧 Je suis Myriam Sellam, journaliste et passionnée de danse.
Retrouvez tous les épisodes de Les Sens de la Danse sur Spotify, Apple Podcasts, Deezer et toutes les plateformes d’écoute.

Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/

Photo : @Daria Senin

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À l’occasion d’Octobre Rose,
cette capsule d’Un pas de côté explore un territoire où le mouvement rencontre la guérison, où le corps, parfois blessé, retrouve sa force à travers le geste.

Depuis plusieurs années, la médecine reconnaît l’importance des soins de support :
ces approches qui accompagnent les traitements du cancer et aident à mieux vivre la maladie.
Parmi elles, la danse se distingue.

Elle agit sur la fatigue, sur le moral, sur la confiance.
Elle apaise, libère, reconnecte.

Dans cette capsule, la journaliste Myriam Sellam interroge le pouvoir thérapeutique du mouvement :
comment danser peut soulager,
comment bouger peut réaccorder ce que la maladie a séparé.

Des études menées dans le monde entier montrent que la danse-thérapie réduit le stress,
améliore l’équilibre, la mobilité et la qualité de vie.

Mais au-delà des chiffres, il y a ce que disent les femmes.

Comme Muriel, qui confie :
“On ne vit pas avec la maladie sans soins de support.
Et pour moi, la danse en est un, très important.”

À travers son témoignage et ceux recueillis dans l’association Elles dansent,
cette capsule raconte la force du collectif,
la beauté du mouvement partagé,
et la tendresse des corps qui reprennent confiance.

Ici, il n’est pas question de prouesse ni de technique,
mais d’écoute, de respiration, de présence.

La danse devient un espace de soin invisible,
un langage qui réconcilie le corps et l’esprit,
un souffle qui rappelle que la vie continue de circuler — même dans la fragilité.

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🎧 Un pas de côté – Quand la danse devient un soin,
une capsule réalisée par Myriam Sellam
pour Les Sens de la Danse,
le podcast qui explore le pouvoir infini du mouvement.

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le corps, la santé et la transformation.

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Partout en France, le rose s’affiche sur les façades, les affiches, les vêtements.
Il symbolise la lutte, la solidarité, l’espoir.

Ce soir, à la mairie du 3ᵉ arrondissement de Paris, ce message prend une autre forme : il se danse.

Dans les coulisses, quatre femmes se préparent.
Les rires se mêlent aux gestes du trac.
On ajuste une robe, on vérifie une mèche, on respire.

Sur scène, elles danseront avec leur professeure Aurélie Lili Boo, au sein de l’association Elles dansent, fondée par Aude Michon.
Une association qui accompagne, à travers la danse, des femmes touchées par le cancer.

Ici, pas de miroir pour juger.
Pas de quête de perfection.

Seulement des corps qui se réapprivoisent, des visages qui se relèvent,
des gestes qui reprennent confiance.

J’ai posé mon micro dans les coulisses, au plus près de leurs voix, de leurs rires, de leurs silences aussi.

Ensemble, nous avons partagé ce moment suspendu où la vie, pour un instant, reprend le dessus.

Muriel, Sylvia, Régine et Emmanuelle racontent leur rapport au corps, à la féminité, à la maladie, mais surtout à la joie d’être ensemble.

Dans chaque mouvement, il y a une victoire intime.

Ce reportage est une traversée — de la fatigue à la lumière, de la peur à la fierté, du corps contraint au corps dansant.

Une parenthèse pour célébrer la force tranquille de celles qui continuent d’avancer.

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🎧 Un reportage réalisé par Myriam Sellam pour Les Sens de la Danse,
le podcast qui explore le pouvoir infini du mouvement.

📅 Épisode spécial Octobre Rose

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Cette fois, on prolonge la rencontre avec Claire Francisci-Ducret, danseuse durant 6 années au Crazy Horse Paris — ce cabaret mythique qui a fait du corps féminin un langage à part entière.
Car pour saisir la portée de son parcours, il faut aussi comprendre le lieu qui l’a façonnée.

Le Crazy Horse n’est pas un cabaret comme les autres.
Fondé en 1951 par Alain Bernardin, il est né d’une fascination pour la beauté, la lumière et la perfection du geste. Ici, pas de strass criards ni de froufrous tapageurs : tout est question d’angle, de ligne, de précision.
Les danseuses — les célèbres Crazy Girls — ne sont pas seulement des interprètes : ce sont des instruments de lumière, des sculptures vivantes. Leurs corps deviennent toiles, leurs mouvements, calligraphies.

Derrière cette esthétique millimétrée, il y a une véritable chorégraphie du regard.
L’art du Crazy Horse, c’est celui de la suggestion, du mystère, de la géométrie sensuelle. Un univers où l’érotisme se fait stylisé, abstrait, presque conceptuel.
Et pourtant, derrière le fantasme, se cache une discipline de fer : répétitions, rigueur, synchronisation parfaite. Les shows du Crazy sont le fruit d’une exigence rare, héritée du ballet et du music-hall.

En revisitant ce lieu à travers l’histoire et l’esthétique, cette capsule interroge :
👉 Comment un cabaret a-t-il pu devenir un symbole d’émancipation et d’art contemporain ?
👉 Comment la lumière peut-elle devenir chorégraphie ?
👉 Et qu’est-ce que le Crazy dit, finalement, de notre rapport au corps féminin ?

Aujourd’hui encore le Crazy Horse se réinvente sans trahir son ADN : celui d’un art sensuel, précis et profondément visuel. Un lieu où la danse se mêle à la photographie, au cinéma, à la mode.
De Dita Von Teese à Beyoncé, de Christian Louboutin à Chanel, le Crazy continue d’inspirer les créateurs du monde entier.

💃 Une plongée au cœur d’un mythe parisien, entre ombre et lumière, discipline et liberté.
Un hommage à ce lieu unique où la danse se fait illusion, et où le regard du spectateur devient, lui aussi, un acte chorégraphique.

🎙️ Écriture, narration et réalisation : Myriam Sellam
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Sur la barre verticale de la pole dance, elle a trouvé la liberté, la force, la reconquête du corps.

Dans cet épisode, Claire Francisci-Ducret, danseuse, chorégraphe et fondatrice de Pole Spirit Paris, revient sur un parcours aussi exigeant qu’inspirant — de ses débuts au Conservatoire d’Avignon à la scène mythique du Crazy Horse, jusqu’à la création de sa propre école à Paris.

Pendant six ans, elle a dansé au Crazy Horse, temple de la lumière et de la discipline, où chaque mouvement se mesure au millimètre près.

Aujourd’hui, elle enseigne la pole dance comme un art du courage et du dépassement, un espace où le corps se libère des normes, où la puissance et la douceur se rencontrent.

Dans cette conversation enregistrée au sein de son école, Claire nous parle de :
– rigueur et sensualité,
– confiance en soi et dépassement,
– beauté du geste et puissance intérieure,
– mais aussi de cette liberté que seule la danse peut offrir.

Elle raconte comment elle a su transformer la discipline en art, et l’exigence en élan de vie.

🎙️ Les Sens de la Danse est un podcast imaginé et réalisé par Myriam Sellam, journaliste et passionnée de danse,
qui explore le pouvoir infini du mouvement — celui qui libère, transforme et révèle.

👉 Si cet épisode vous inspire, abonnez-vous au podcast sur votre plateforme d’écoute préférée et laissez un avis 5 étoiles.
C’est ce qui permet à ces voix inspirantes de résonner encore plus loin.

✨ Et mercredi, retrouvez la capsule Un pas de côté consacrée à l’histoire du Crazy Horse — pour comprendre comment la lumière, la discipline et la sensualité ont façonné un art à part entière.

💫 Mots-clés :
crazy horse, pole dance, paris, danse, liberté, corps, art du mouvement, féminité, discipline, expression, confiance, transmission, Claire Francisci Ducret, Les Sens de la Danse, Myriam Sellam, podcast danse.

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Dans cette capsule d’Un pas de côté, Myriam Sellam explore une idée évoquée par Aurélia Monaco :
celle de la danse comme hygiène émotionnelle.

Un geste simple, instinctif, que l’on retrouve dans toutes les cultures du monde — et qui relie le mouvement à la santé de l’âme.

Des derviches soufis aux danses africaines rituelles,
du Butô japonais né des cendres d’Hiroshima
à la grâce libre d’Isadora Duncan et aux recherches de Rudolf Laban ou Mary Wigman,
la danse a toujours été un moyen de traverser, de transformer, d’apaiser.

Avant d’être un art, elle fut un soin.
Un rituel de rééquilibrage du corps et de l’esprit.
Un espace où l’on remet de la vie là où tout semble figé.

Aujourd’hui encore, la danse garde ce pouvoir :
celui de libérer, d’alléger, de remettre en mouvement ce qui, en nous, s’est refermé.
Pas besoin d’être danseur ou danseuse pour en faire l’expérience :
il suffit d’un pas, d’un souffle, d’un geste.

Dans un monde saturé de bruit et d’obligations, danser devient un acte d’hygiène intérieure.
Un retour à soi.
Une manière douce de se vider du trop-plein pour laisser la place à la clarté, à la joie, à la présence.

Un pas de côté propose ici une réflexion poétique et accessible sur ce lien essentiel entre le corps, les émotions et le mouvement.
Une invitation à penser la danse autrement : non plus comme une discipline,
mais comme un espace de respiration, de soin et de résonance.

🎙️ Un pas de côté est une capsule du podcast Les Sens de la Danse, imaginée et réalisée par Myriam Sellam.

Un format court pour élargir le regard, comprendre ce qui se joue derrière chaque geste, et replacer la danse au cœur du vivant.

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C’est le meilleur moyen de soutenir ce voyage au cœur du mouvement et du sensible.

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a cherché à bien faire. À cocher toutes les cases.
Avocate fiscaliste dans un grand cabinet parisien, elle vivait dans un monde où tout devait être maîtrisé, planifié, prouvé.
Une vie brillante, mais où la tête prenait toute la place.

Jusqu’au jour où son corps a dit stop.
Fatigue, perte de sens, surcharge émotionnelle : il n’y avait plus d’air.
Ce jour-là, Aurélia comprend qu’elle ne peut plus continuer à s’éloigner d’elle-même.
Ce qu’elle ressent trop fort, ce qu’elle croyait devoir cacher, est en réalité sa plus grande force : son hypersensibilité.

Alors elle quitte le droit, sans plan B.
Et se met à reconstruire sa vie, pas à pas.
Par l’écoute, par l’écriture, par le mouvement.

Aujourd’hui, Aurélia Monaco accompagne les personnes hypersensibles à retrouver leur équilibre.
Elle les aide à transformer cette intensité en puissance d’action, à se reconnecter à leurs émotions, à leur intuition et à leur joie.
Son approche est globale : le corps, la parole, l’image, la respiration…
Et surtout, la danse.

Car Aurélia enseigne l’Afrovibe, une danse joyeuse, libre et profondément ancrée, qui invite à lâcher le mental pour revenir au corps.
Une danse sans jugement, sans performance, où l’on bouge pour se sentir vivant.
Un espace où tout peut circuler — les rires, les larmes, la fatigue, la joie.
Une véritable hygiène émotionnelle, comme elle aime le dire.

Elle est aussi l’autrice du livre J’assume mon hypersensibilité (et je retrouve ma liberté !), publié aux éditions Gereso.
Un ouvrage qui réconcilie le lecteur avec sa sensibilité, et l’invite à en faire une boussole plutôt qu’un fardeau.

Dans cet épisode, Aurélia revient sur ce grand basculement :
le moment où tout a vacillé, ses premiers cours en talons, la découverte du collectif, et la joie de danser sans chercher à bien faire.
Une conversation lumineuse et sincère, où l’on parle de vulnérabilité, d’énergie, et de ce lien mystérieux entre mouvement et liberté.

🎙️ Les Sens de la Danse est un podcast imaginé et réalisé par Myriam Sellam. Un espace d’écoute et de transmission, où la danse devient un langage du vivant.

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Aujourd’hui, je vous emmène à la rencontre de Giselle , le chef-d’œuvre du ballet romantique créé à Paris en 1841.
Un ballet né du génie du compositeur Adolphe Adam, chorégraphié par Jean Coralli et Jules Perrot, sur un livret inspiré d’une légende racontée par le poète romantique Heinrich Heine.

L’histoire est connue, mais sa puissance reste intacte. Giselle, jeune paysanne amoureuse d’un homme qu’elle croit villageois, découvre qu’il s’agit du comte Albrecht , déjà fiancé à une autre.
Brisée par la trahison, elle sombre dans la folie et meurt.

Au deuxième acte, elle rejoint les Wilis, ces esprits vengeurs de jeunes fiancées mortes avant leur mariage.
Mais au lieu de condamner Albrecht, elle le sauve — dans un ultime geste d’amour et de pardon.

Ce ballet, créé pour la danseuse Carlotta Grisi et resté depuis au répertoire de l’Opéra de Paris, incarne toute l’essence du romantisme : la passion, la mort, la rédemption.
Il a traversé les époques, interprété par les plus grandes étoiles — de Yvette Chauviré à Aurélie Dupont, de Sylvie Guillem à Myriam Ould-Braham —, et continue d’émouvoir des générations entières.

Mais Giselle n’est pas seulement un drame d’amour : c’est aussi un miroir de notre humanité.
Chaque version, chaque interprète, redonne vie à ce récit universel : celui de l’amour qui survit à la mort, de la douceur qui triomphe de la violence, et du corps qui devient le messager de l’âme.

Pour un danseur comme Andrea Sarri, qui interprète aujourd’hui Albrecht à l’Opéra Garnier, Giselle est un rôle d’équilibre : entre la force et la fragilité, entre le contrôle et l’abandon.
Un rôle qui, à chaque représentation, prend une nouvelle couleur, une nouvelle profondeur.

Près de deux siècles après sa création, Giselle demeure l’un des ballets les plus dansés au monde.
Et si son histoire nous bouleverse encore, c’est peut-être parce qu’elle nous parle de ce que nous sommes : des êtres capables de tomber, de trahir, de regretter, mais aussi d’aimer au-delà de tout.

🎧 Un pas de côté – Giselle est une capsule du podcast Les Sens de la Danse, qui explore le pouvoir infini du mouvement — celui qui libère, transforme et fait renaître.

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Aujourd’hui, Premier danseur de l’Opéra de Paris, Andrea poursuit un chemin où la technique laisse davantage place à l’interprétation. Il évoque le plaisir de danser les grands rôles classiques, mais aussi son goût grandissant pour le contemporain, où le corps retrouve une liberté nouvelle. Danser du Forsythe, de l’Ekman ou du Pite, c’est pour lui apprendre à respirer autrement, à se réinventer, à trouver la vérité du mouvement.

Au fil de la conversation, Andrea se confie sur ce que représente l’excellence, mais aussi sur la fragilité qu’elle suppose : la peur de ne pas être à la hauteur, la tentation du perfectionnisme, et l’importance de rester fidèle à soi. Il évoque les distinctions reçues — le Prix AROP de la danse, le prix Giovani Talenti Siciliani nel Mondo et le Taobuk Award — non pas comme des aboutissements, mais comme des encouragements à continuer d’apprendre, à garder cette humilité face à l’art.

Il parle aussi du corps, de la fatigue, du travail invisible. De la nécessité de s’écouter, de canaliser son énergie, et de comprendre que la danse n’est pas seulement un art du dépassement, mais aussi un art de la mesure. Andrea évoque cette idée qu’à force de danser, on apprend à moins en faire : à laisser place au silence, à la présence, à l’âme.

À travers ce dialogue, on découvre un artiste en pleine conscience de son parcours : un danseur qui doute, qui cherche, mais qui trouve aussi dans chaque rôle une nouvelle raison de danser. Car chaque personnage, dit-il, le rend un peu meilleur — non seulement comme interprète, mais comme être humain.

Et c’est sans doute ce qui rend cet épisode si lumineux : au-delà des projecteurs et de l’exigence de l’Opéra, on y entend la voix d’un homme qui a choisi de profiter de chaque instant sur scène, de savourer les rôles qui passent, d’habiter le temps présent.

Un échange intime, sincère et inspirant, enregistré à quelques jours de sa représentation le 5 octobre 2025 d’Albrecht dans Giselle à l’Opéra Garnier — un rôle qui symbolise à lui seul la puissance, la fragilité et la grâce de sa danse.

🎧 Les Sens de la Danse est le podcast de Myriam Sellam qui explore le pouvoir infini du mouvement — celui qui libère, transforme et fait renaître.

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Chaque dimanche, une voix, une histoire, un parcours intime vous est confié. Mais pour saisir pleinement la richesse de ce qui est dit, il est parfois nécessaire de prendre un peu de recul.
C’est ce que propose Un pas de côté : en quelques minutes, replacer un nom, une idée, une esthétique dans son contexte. Pas pour compliquer les choses, mais pour élargir le regard et faire résonner plus fort chaque épisode.

Aujourd’hui, faisons ensemble un pas de côté… vers l’histoire du Ballet de l’Opéra de Paris, la plus ancienne compagnie de danse classique encore en activité, et l’une des plus prestigieuses au monde.

Une institution fondée en 1661 par Louis XIV, le Roi Soleil, qui voit dans la danse un outil de pouvoir et de discipline. Avec l’Académie royale de danse, treize maîtres à danser fixent les règles et codifient les postures, donnant à cet art une légitimité nouvelle.

Quelques décennies plus tard, en 1713, l’Académie royale de musique crée une école. Les fameux « petits rats de l’Opéra », ces enfants formés dès l’âge de 8 ou 9 ans, y reçoivent une éducation rigoureuse qui les prépare à devenir solistes ou membres du corps de ballet. Cette tradition, installée aujourd’hui à Nanterre, perdure encore.

Le XIXᵉ siècle marque l’âge d’or du romantisme : La Sylphide en 1832, où une ballerine aérienne incarne un esprit de l’air, ou encore Giselle en 1842, tragédie d’amour et de surnaturel qui devient l’un des sommets du répertoire. Ces œuvres imposent un style poétique et dramatique, mais révèlent aussi la dureté d’une discipline exigeante.

Au XXᵉ siècle, des figures comme Serge Lifar ou Rudolf Noureev modernisent et transforment l’institution, entre fidélité aux grands classiques et ouverture à la création contemporaine.

Aujourd’hui, le Ballet de l’Opéra de Paris danse encore les grands chefs-d’œuvre – Le Lac des cygnes, Don Quichotte – mais invite aussi Pina Bausch, William Forsythe, Crystal Pite et bien d’autres, témoignant d’un équilibre fragile entre mémoire et innovation.

Derrière chaque arabesque, derrière chaque envolée, se cachent plus de trois siècles et demi d’histoire, faite de rois, de fantômes, de maîtres visionnaires et d’artistes passionnés.

Et si cette capsule vous raconte ce parcours, c’est parce qu’il résonne avec notre invité : Andrea Sarri, formé à l’Opéra de Paris, héritier de cette tradition, mais aussi danseur d’aujourd’hui qui la réinvente à sa manière.

👉 Si vous n’avez pas encore écouté son épisode dans Les Sens de la Danse, c’est le moment. Plongez dans son parcours et sa vision : vous verrez, son récit donne une résonance toute particulière à cette histoire.

N’oubliez pas de vous abonner à Les Sens de la Danse sur votre plateforme d’écoute préférée, et de laisser un avis ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ : c’est le meilleur moyen de soutenir ce travail et de continuer à faire vivre ces histoires.

Je suis Myriam Sellam, et je vous donne rendez-vous dimanche pour un nouvel épisode.

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Une étape décisive pour ce danseur d’exception, récemment nommé Premier danseur du Ballet de l’Opéra de Paris.

Né à Palerme en 1998, Andrea quitte sa Sicile à seulement dix ans pour intégrer l’École de danse de l’Opéra de Paris. Un arrachement culturel et familial, mais aussi la promesse d’un rêve. Comment un enfant issu d’une culture marquée par la tradition et la virilité a-t-il trouvé sa place dans le temple de la danse classique ?

Andrea raconte la discipline quotidienne, les sacrifices, mais aussi les moments de doute et de fatigue. Il se souvient de ces instants rares où la scène efface tout calcul :

« T’es juste toi », dit-il, quand il ne reste plus que l’authenticité d’un artiste face au public.

Ces confidences dessinent un portrait sincère et touchant d’un danseur qui construit pas à pas sa carrière.

Son parcours est jalonné de distinctions : le Prix AROP de la danse, le prix Giovani Talenti Siciliani nel Mondo, le Taobuk Award. Mais Andrea ne s’arrête pas aux récompenses. Il explore aussi le contemporain, passant de Forsythe à Ekman, de Pite à Kylián, prouvant une polyvalence rare : incarner les grands rôles romantiques et se réinventer dans les langages modernes.

Cet échange est aussi une réflexion sur le corps : outil, limite, fragilité, mais aussi source de joie. Andrea parle de l’urgence d’une carrière courte, des sacrifices qu’elle implique, et de la puissance transformatrice de la danse. Au-delà de la performance, il interroge ce que signifie grandir, s’affirmer et trouver sa vérité sur scène.

Dans cette première partie, nous revenons sur les fondations : son enfance en Sicile, sa formation à Nanterre et ses premiers pas dans la hiérarchie de l’Opéra. Un récit intime et inspirant, qui ouvre la voie à la seconde partie, consacrée aux grands rôles et à la consécration.

✨ Bienvenue dans Les Sens de la Danse, le podcast de Myriam Sellam qui explore le pouvoir infini du mouvement — celui qui libère, qui transforme, qui fait renaître.

🎧 Abonnez-vous dès maintenant pour découvrir ce récit d’exigence, de dépassement et d’authenticité, et laissez 5 étoiles ⭐ : c’est le meilleur moyen de soutenir le podcast et de ne manquer aucun épisode.

Très belle écoute

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Originaire de Memphis, Lil Buck a grandi dans un environnement difficile, marqué par les inégalités sociales mais aussi par une énergie créative hors du commun. Memphis, c’est à la fois la ville du blues, du rock’n’roll et de la soul, avec des figures mythiques comme Elvis Presley, Otis Redding ou Isaac Hayes. Mais c’est aussi une ville où la jeunesse afro-américaine a transformé la rue en scène, donnant naissance au jookin, une danse fluide et acrobatique, faite de glissés de pieds et de pivots de chevilles.

Très vite, Lil Buck s’impose comme l’un des plus brillants représentants de ce style. Ce qui fait sa force, c’est sa capacité à garder les racines de cette danse tout en osant l’emmener ailleurs. Et ce « ailleurs » prend une forme inattendue en 2011, lorsqu’une vidéo le montre dansant Le Cygne de Camille Saint-Saëns aux côtés du violoncelliste Yo-Yo Ma. Le choc est immédiat. Des millions d’internautes découvrent un langage inédit : le dialogue entre danse urbaine et musique classique.

À partir de là, la carrière de Lil Buck bascule. Madonna l’invite à rejoindre sa tournée mondiale, Benjamin Millepied l’intègre au L.A. Dance Project, Spike Jonze le filme. La Fondation Cartier, l’Opéra de Paris et la Fondation Vuitton ouvrent leurs portes à son art. Lil Buck devient un pont vivant entre deux univers que tout semblait opposer : la rue et les institutions de la culture légitime.

Pourquoi cette histoire est-elle essentielle aujourd’hui ?

Parce qu’elle incarne une brèche. Lil Buck a montré qu’une danse née dans les quartiers populaires pouvait trouver sa place dans les temples de la culture classique, sans rien perdre de son authenticité.

C’est cette brèche que poursuit aujourd’hui Yann Antonio, danseur français que vous avez découvert dans un autre épisode de Les Sens de la Danse. Lui aussi ose l’improvisation hip-hop face à des orchestres symphoniques, à la Philharmonie de Berlin ou à l’Alte Oper de Francfort. Lui aussi prouve que la danse n’a pas besoin de choisir entre la rue et le classique : elle peut être les deux à la fois.

👉 Ce nouvel épisode de la série « Un pas de côté » vous invite à explorer le parcours de Lil Buck pour mieux comprendre les résonances avec celui de Yann Antonio.

Car au fond, ce qui relie ces artistes, c’est une conviction simple et puissante : la danse est un langage universel, capable de traverser les frontières sociales, culturelles et artistiques.

🎧 Un pas de côté – De Lil Buck à Yann Antonio, quand la rue rencontre le classique est disponible dès maintenant sur toutes les plateformes d’écoute.

✨ Si cet épisode vous a plu, abonnez-vous au podcast Les Sens de la Danse pour ne manquer aucune nouvelle rencontre. Et si vous souhaitez soutenir ce travail, le meilleur moyen est de laisser un avis 5 étoiles accompagné d’un mot : c’est ce qui aide vraiment le podcast à être découvert par d’autres passionnés de danse.

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Et si l’énergie brute du freestyle pouvait entrer dans les temples de la musique classique, face à un orchestre symphonique entier ?

C’est le pari audacieux de Yann Antonio, danseur français d’origine congolaise, qui s’impose aujourd’hui comme une figure singulière de la danse.

Sur scène, il improvise son hip-hop devant des orchestres prestigieux – de la Philharmonie de Berlin à l’Alte Oper de Francfort – et ses prestations cumulent déjà plusieurs millions de vues sur les réseaux sociaux.

Un succès fulgurant qui intrigue autant qu’il inspire : comment un danseur venu du Val-d’Oise a-t-il réussi à tracer une telle trajectoire ?

Dans cet épisode des Sens de la Danse, le podcast que je crée et anime, je pars à sa rencontre.

Je m’appelle Myriam Sellam, journaliste et passionnée de danse, et à travers chaque entretien je cherche à comprendre comment le mouvement transforme nos vies.

Avec Yann Antonio, nous revenons sur son enfance, marquée par une famille où l’art circule naturellement : une grand-mère danseuse, un grand-père musicien, une mère chanteuse de gospel, et surtout un frère, Loïc Mabanza, danseur professionnel et premier mentor.

Il évoque ses années de travail acharné, ses doutes, ses efforts pour dépasser le simple cadre des battles et inventer une voie nouvelle.

Et il partage ce détail marquant : dans sa chambre d’adolescent, il avait accroché sur un mur des images de ses rêves – des affiches de salles de concert, des orchestres – qu’il contemplait chaque jour.
« J’ai affiché mes rêves sur un mur… et je les ai réalisés. »

Ce rituel de visualisation, cette capacité à transformer une vision en réalité, est au cœur de son histoire.
Car Yann Antonio n’a jamais cessé de croire qu’un jour, il danserait son hip-hop face à un orchestre.
Il a porté ce rêve pendant dix ans, jusqu’à le voir se concrétiser.

Aujourd’hui, ses performances bouleversent les spectateurs : il entre dans l’instant, improvise chaque geste, laisse son corps dialoguer avec la musique sans préparation ni partition.
C’est une rencontre improbable, mais profondément évidente : un langage né de la rue qui s’élève aux côtés de la musique savante, et qui rappelle que la danse est universelle.

Au fil de notre conversation, Yann Antonio parle aussi de la nécessité de s’inspirer, de l’importance des mentors, de la patience et de la persévérance.
Son parcours est une leçon d’humilité et de détermination :
👉 on peut venir de la rue et entrer dans les grandes salles,
👉 on peut douter mais continuer à avancer,
👉 on peut transformer un rêve en réalité quand on garde une vision claire et qu’on travaille chaque jour pour l’incarner.

Ce que cet épisode met en lumière, c’est le pouvoir de la danse comme art de la rencontre et de la transformation.
Le pouvoir d’un corps qui improvise, d’un langage qui traverse les frontières, et d’une conviction : le hip-hop n’a pas de frontières.

🎧 Écoutez cet épisode des Sens de la Danse pour découvrir l’histoire inspirante de Yann Antonio et plonger dans une trajectoire qui prouve que la danse peut relier des mondes qu’on croyait séparés.

Et si cette écoute vous inspire, n’hésitez pas à vous abonner au podcast et à laisser un avis 5 étoiles : c’est le meilleur moyen de soutenir ce travail et d’aider d’autres auditeurs à découvrir, eux aussi, le pouvoir de la danse.

Très belle écoute

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👉 Un pas de côté, c’est donc ça : une parenthèse pour donner des repères, comprendre une œuvre ou une idée, et voir la danse autrement. Pas un cours théorique, mais une exploration vivante, simple et accessible.

Pour cette première capsule, arrêtons-nous sur une figure qui a bouleversé la danse du XXe siècle : Merce Cunningham (1919-2009).
Formé chez Martha Graham, dont il devient l’un des solistes, il décide rapidement de s’émanciper de son héritage. Pour lui, la danse n’a pas besoin de raconter une histoire. Elle peut exister comme un langage autonome, un pur jeu de formes dans l’espace et le temps.

Avec le compositeur John Cage, compagnon de vie et de création, Cunningham redéfinit la relation entre danse et musique. Fini la synchronisation : chacun crée séparément, et la rencontre n’a lieu qu’au moment de la première. Le spectateur choisit alors son chemin : écouter ou regarder, sans qu’un sens lui soit imposé.

Cunningham introduit aussi le hasard dans la création. Il tire au sort des séquences avec des dés, utilise le pile ou face, puis plus tard des logiciels comme DanceForms. Son but : générer l’inattendu, provoquer l’accident poétique, explorer l’abstraction pure.

Mais cette liberté apparente s’accompagne d’une rigueur extrême. Être danseur chez Cunningham exige une précision millimétrée : chaque bras, chaque déplacement, chaque regard est noté et répété. Pas de psychologie, pas de personnage : seulement le corps en action, offert au spectateur.

C’est dans ce monde exigeant que s’est formé Cédric Andrieux, qui a dansé près de dix ans dans la compagnie avant de devenir, en 2025, directeur du Ballet de l’Opéra de Lyon. Son témoignage, que vous pouvez retrouver dans Les Sens de la Danse, raconte à quel point cette expérience a transformé sa vision : danser même sans musique, être pleinement présent, laisser le mouvement exister pour lui-même.

L’héritage de Cunningham est immense. Ses interprètes – Trisha Brown, Lucinda Childs, Cédric Andrieux et tant d’autres – ont diffusé ses idées à travers le monde. Et même si sa compagnie s’est arrêtée en 2011, selon ses souhaits, ses œuvres continuent de nourrir les chorégraphes d’aujourd’hui.

👉 Comprendre Cunningham, c’est comprendre l’une des grandes clés de la danse contemporaine : l’idée que la danse peut être autonome, qu’elle n’a pas besoin de récit pour exister.

Avec Un pas de côté, je vous propose d’ouvrir ce regard. Un format pensé comme une respiration, une clé pour mieux entendre ce que vous découvrez chaque dimanche dans les entretiens du podcast.

🎧 Bonne écoute, et bienvenue dans ce premier pas de côté avec Merce Cunningham, le chorégraphe qui a libéré le mouvement.

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Après un premier épisode consacré à ses débuts à Brest, ses années de formation au Conservatoire national supérieur de Paris, et son parcours marquant dans la compagnie de Merce Cunningham à New York, Cédric Andrieux revient au micro pour une seconde partie aussi riche qu’intime.

Dans cet épisode, le regard se tourne vers la transmission et la direction artistique.

🩰 Danseur majeur de la scène contemporaine, Cédric Andrieux a été pendant près de dix ans l’interprète d’une des écritures chorégraphiques les plus exigeantes du XXe siècle, celle de Cunningham. Il a ensuite incarné sa propre histoire dans un solo devenu culte signé Jérôme Bel, avant de devenir conseiller artistique pour le film Les Bien-Aimés de Christophe Honoré.

Mais ce que nous découvrons ici, c’est surtout son rôle de directeur du Ballet de l’Opéra de Lyon, une compagnie de référence entièrement consacrée à la danse contemporaine. À travers son témoignage, il lève le voile sur les enjeux souvent invisibles de ce métier : comment accompagner les danseurs au plus près de leurs besoins ? Comment préserver leur santé, nourrir leur souffle, tout en tenant une ligne artistique exigeante ? Comment faire vivre un répertoire contemporain dans un monde en constante mutation ?

💡 Ce que vous allez entendre ici est précieux. Car il est rare d’entendre un artiste parler avec autant de lucidité, de recul et d’engagement du lien entre mémoire, création et institution.

🎭 À l’heure où la Biennale de la danse de Lyon bat son plein, ce récit prend une résonance toute particulière. Il donne à comprendre ce qu’il se joue dans les grandes maisons de la danse aujourd’hui, entre rigueur, liberté et nécessité d’évoluer avec son époque.

🎧 Au fil de l’échange, vous découvrirez :

• Pourquoi le solo Cédric Andrieux de Jérôme Bel a marqué toute une génération

• Ce que signifie “faire exister la danse” au-delà de la scène

• En quoi le travail du directeur artistique peut transformer en profondeur une institution

• Comment réinventer la place du corps, du récit et du mouvement dans notre société

✨ Une plongée passionnante dans les coulisses de la création contemporaine, à la croisée du geste, du sens et de l’engagement.

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Et si ce podcast vous plaît, laissez un avis 5 étoiles — c’est le meilleur moyen de le soutenir.

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Dans ce premier épisode d’un diptyque exceptionnel, Les Sens de la Danse vous emmène à la rencontre d’un danseur au parcours aussi exigeant que passionnant — entre Bretagne, New York et Lyon, entre admiration et transmission, entre rigueur et intuition.

Formé au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, Cédric Andrieux rejoint à 21 ans l’une des compagnies les plus mythiques de l’histoire de la danse contemporaine : celle de Merce Cunningham. Dix années d’un travail rigoureux, abstrait, épuré — à l’image du chorégraphe américain qui a bouleversé la relation entre la musique et le mouvement, séparé les disciplines pour en faire surgir de nouveaux possibles.

💬 Au fil de notre échange, Cédric revient sur :

• Ses souvenirs fondateurs, entre la série Fame et les spectacles de sa mère, danseuse amateure

• L’entrée dans la danse comme un lieu de reconnaissance et d’affirmation de soi

• Son passage au Conservatoire, entre marginalité bretonne et excellence académique

• Les coulisses de New York dans les années 1990, entre colocations improbables, blessures, jobs alimentaires et premières amours

• Sa rencontre avec la compagnie Cunningham, le système d’écriture informatique, la dureté de l’apprentissage… mais aussi la beauté du hasard et de l’abstraction

On y découvre un danseur besogneux, habité par une grande humilité — mais aussi une lucidité rare sur ce que signifie faire carrière dans ce milieu.

🧠 Avec intelligence, humour et recul, il décrit ce que la scène a représenté pour lui : un espace “safe”, où il pouvait être pleinement lui-même. Un endroit où l’on performe, oui — mais où l’on peut aussi se réparer, se révéler, se réinventer.

✨ Ce témoignage éclaire une période charnière de l’histoire de la danse contemporaine, entre héritage et mutation. Il interroge aussi, plus largement : comment on devient danseur, ce que le corps raconte de nous, et comment l’art nous façonne de l’intérieur.

📌 Dans la deuxième partie (à venir), nous évoquerons ce qu’il se passe quand on sort du cadre. Quand on devient l’interprète de sa propre histoire, à travers le solo autobiographique signé Jérôme Bel… et quand on prend à son tour la responsabilité de transmettre, notamment à la direction du Ballet de l’Opéra de Lyon.

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Photo ©Muriel Chaulet

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Dans ce Best Of de fin d’été, je vous propose un extrait profond et suspendu avec Nelson Ewandé, danseur, chorégraphe, champion du monde de popping et fondateur du collectif Enfants Prodiges.

Dans ce passage rare, il partage ces instants où la danse nous déplace, nous transporte, nous transforme.
Des moments où la conscience s’efface, où le corps se met à bouger sans que l’esprit ne le commande.
Où l’on danse… mais sans plus rien contrôler.

🎙️ Il parle d’un état qu’il n’a jamais cherché à atteindre — mais qu’il reconnaît immédiatement quand il y accède.
Un état de concentration extrême, d’oubli total, où il ne se souvient même plus de ce qu’il a dansé… ni de la musique.
Et ce sentiment intense, presque mystique, de se réveiller "comme si on sortait de l’eau".

Ces mots résonnent profondément avec la ligne éditoriale de Les Sens de la Danse.
Car je crois que la danse peut nous ouvrir à des états de conscience modifiée,
qu’elle est bien plus qu’un enchaînement de gestes ou une forme artistique :
elle peut devenir un accès à soi, aux autres… et parfois à plus grand que soi.

✨ Dans ce témoignage, Nelson Ewandé parle aussi de foi, de préparation mentale, de prière avant la scène.
Il partage cette sensation de ne plus être seul, d’être “guidé”, habité, traversé.
Il ne s’agit plus de performance, mais d’un état d’être.
Un espace intérieur où la danse devient presque une forme de méditation active, de spiritualité incarnée.

📌 Cet extrait est issu de l’épisode 2 du sur Nelson Ewandé, que vous pouvez écouter dans son intégralité ici :
👉 Comment Nelson Ewandé est devenu le danseur de hip-hop le plus titré

Dans cet épisode, Nelson revient aussi sur son parcours exceptionnel :
– ses débuts dans les battles,
– ses inspirations profondes,
– son rapport au popping comme discipline intérieure,
– ses engagements pour la transmission,
– sa volonté de redonner à sa communauté à travers des événements culturels et pédagogiques.

🎧 C’est le dernier Best of de l’été, une façon de refermer la saison 2 sur un moment suspendu.
Dès cette fin de semaine, je vous retrouve pour un épisode inédit qui lancera la saison 3 de Les Sens de la Danse.

En attendant, je vous invite à (re)découvrir ce passage fort, et à vous laisser porter par la voix de Nelson.
Prenez le temps. Écoutez. Ressentez.

—

🎤 Les Sens de la Danse est un podcast indépendant, réalisé par Myriam Sellam, journaliste et passionnée de mouvement.

🙌 Si cet épisode vous touche, pensez à vous abonner, à le partager autour de vous, ou à lui laisser 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute.

C’est ce qui me permet de continuer à faire vivre ces récits sensibles… et de faire rayonner le pouvoir du mouvement.

À très bientôt — et surtout… continuez de danser.

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Sofiane y évoque avec une rare sincérité son rapport au corps, à la honte, et au regard des autres.

Il parle de ce ventre qu’il a si souvent voulu cacher, qu’il a appris à haïr, à dissimuler, à camoufler…

Et de la manière dont il a choisi, un jour, de ne plus en faire un ennemi mais une matière chorégraphique.

🧠 Ce qu’il raconte ici, ce n’est pas une simple anecdote de scène.

C’est une bascule intérieure.

Un moment où la danse devient un outil de transformation radicale :

celle qui permet de passer de la douleur au mouvement,

de la gêne à l’expression,

de la vulnérabilité à la puissance.

✨ Danser ce qu’on a voulu cacher, c’est peut-être la chose la plus courageuse qu’un artiste puisse faire.

Et Sofiane le fait avec finesse, humour, émotion… et une générosité bouleversante.

Dans cet extrait, on traverse avec lui ce cheminement :

– oser créer à partir d’une blessure intime,

– faire monter sur scène ce qui, d’habitude, reste dans l’ombre,

– transformer le malaise corporel en langage chorégraphique.

Mais ce n’est pas tout.

Il évoque aussi les épreuves personnelles qui ont traversé sa vie au moment de ses créations :

la perte de proches, la violence des émotions contradictoires, et cette nécessité de continuer à jouer, à sourire, à danser… même quand tout vacille.

🎙️ Cet extrait est l’un de ceux qui résument le mieux ce que j’essaie de faire avec Les Sens de la Danse.

Je m’appelle Myriam Sellam, je suis journaliste et danseuse amatrice,

et à travers ce podcast, je donne la parole à celles et ceux qui vivent la danse comme un geste intime, parfois politique, souvent salvateur.

Je cherche à montrer que la danse n’est pas seulement un art : c’est aussi un chemin. Une manière de se retrouver.

💬 Sofiane Chalal y incarne cette tension entre ombre et lumière.

Et j’espère de tout cœur que ses mots, sa voix, son histoire, vous inspireront autant qu’ils m’ont inspirée.

🎧 L’épisode complet est disponible sous le titre "S'affranchir des normes par la danse – avec Sofiane Chalal. "

Vous y découvrirez tout son parcours : du théâtre au cinéma, de son enfance au solo Ma part d’ombre, en passant par sa collaboration avec Michèle Laroque et son regard engagé sur le monde de la création.

🙌 Si ce podcast vous parle, vous émeut, vous questionne… Pensez à vous abonner, à le partager, et à lui laisser 5 étoiles.

C’est ce qui me permet de continuer à faire vivre ces récits — et de faire rayonner ces voix essentielles.

À très bientôt… et surtout, continuez de danser.

— Myriam Sellam

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Dans cet épisode, c’est Aurélien Lehmann qui prend le micro pour raconter un instant suspendu : son solo de claquettes au Théâtre du Châtelet.

📍 Le 6 février 2022, Aurélien devient le premier à faire résonner des claquettes en solo dans ce lieu mythique. Ce jour-là, il danse son rêve.

Mais ce moment de grâce n’est pas arrivé par hasard. Il est le fruit d’un parcours fait de passion, d’exigence et de rencontres improbables.

💡 Tout part d’une idée folle : faire dialoguer la musique baroque avec le rythme des claquettes. De Scarlatti à Vivaldi, en passant par Bach et Mozart, Aurélien cherche la formule parfaite, celle qui permet au mouvement d’entrer en résonance avec la partition.

Et pour porter ce projet, un allié de taille : le grand pianiste François-René Duchâble, qui accepte de l’accompagner sur scène. Une confiance inattendue, mais déterminante.

🩰 Dans cet extrait, Aurélien partage les coulisses d’une aventure artistique exigeante, nourrie par l’obsession du détail et le goût du risque. Il évoque aussi l’importance des dates, des opportunités, de ceux qui osent miser sur les artistes avant même qu’ils soient « prêts ».

🎧 Une écoute inspirante, entre musique, danse et foi inébranlable dans le geste.

🎬 Envie d’aller plus loin ?

Retrouve l’épisode complet sur ta plateforme d’écoute préférée.

Titre de l’épisode : Des claquettes et des rires – Une rencontre avec Aurélien Lehmann.

👉 Si ce podcast te parle, pense à t’abonner, à mettre 5 étoiles, ou à en parler autour de toi.

C’est le meilleur moyen de soutenir le projet et d’amplifier ces voix passionnantes.

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Suspendu entre science et pole dance, Jemi Van Dijk nous entraîne dans un « laboratoire de mouvement » où la gravité devient complice, la rigueur se métamorphose en grâce et chaque figure raconte une histoire.

Professeur agrégé de physique, circassien et champion de France de pole sport, il explore un territoire où l’art rencontre la discipline, où la précision se conjugue avec l’abandon.

Dans cet extrait, il revient sur un instant-charnière : un simple cadeau d’anniversaire qui l’a mené à la pole dance. Depuis, il apprivoise la verticalité, maîtrise la rotation, et trouve dans chaque suspension une forme de renaissance.

Ses mots résonnent comme une invitation à défier l’apesanteur, à écouter le corps, et à redécouvrir la joie pure du mouvement.

🎧 Retrouvez l’épisode complet ici : https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/l-agrege-de-physique-devenu-champion-de-pole-dance

Si ce récit vous inspire, laissez cinq étoiles et abonnez-vous pour que la danse continue de rayonner.

Très belle écoute à vous.

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Seule, sans plan B, elle débarque dans une ville inconnue pour suivre un rêve né… d’une simple cassette VHS.

Dans ce Best of, elle raconte ses premiers jours sur place : le choc culturel, la solitude, les peurs…
Mais aussi sa rencontre déterminante avec ses professeurs, Viviana et Diego,
et cette force intérieure qui ne l’a jamais quittée.

Un extrait brut, intime et inspirant — qui dit tout du pouvoir du mouvement quand il devient une boussole.

🎧 Retrouvez les épisodes complets avec Verónica Christiny sur Les Sens de la Danse,
le podcast qui explore, chaque semaine, la puissance de la danse pour se (re)trouver, se libérer, et transmettre.

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Nous sommes à l’hôpital de la Pitié-Salpêtrière, en immersion dans un atelier de danse rythme thérapie, guidé par Svetlana Panova, ancienne grande danseuse des Ballets russes.

Inspirée par le travail de France Schott-Billmann, Svetlana accompagne ici des patient·es atteint·es de la maladie de Parkinson.

À travers le rythme, la poésie du geste et l’énergie du collectif, les corps s’éveillent, les visages se transforment.

Ce jour-là, j’ai vu la danse comme un soin. Une participante m’a dit : « La danse devrait être remboursée par la Sécurité sociale ».
Et je suis entièrement d’accord.

🎧 Plongez dans ces 5 minutes d’extrait.

Et retrouvez l’épisode complet ici : Danse rythme thérapie : le pouvoir du mouvement face à Parkinson

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Cet été, Les Sens de la Danse vous fait revivre les moments forts de la saison 2.

On commence avec France Schott-Billmann — une femme qui a changé ma façon de danser… et de penser.

France Schott-Billmann est psychanalyste, anthropologue, et pionnière de la danse-thérapie.
Avec elle, j’ai découvert qu’il est possible de mettre des mots sur ce que je ressens en dansant.

Sa méthode, la danse-rythme-thérapie, puise dans l’expression primitive, les rituels, les mythes, et surtout… dans le rythme.

Dans cet extrait, elle nous rappelle que tout commence par la musique, que la pulsation est en nous depuis le ventre de notre mère, et que — oui — tout le monde sait danser.

✨ Une parole simple, poétique, essentielle.

À écouter, réécouter, partager… les yeux fermés, le corps ouvert.

🎧 Les trois épisodes complets avec France sont disponibles ici:

Épisode 1 :

https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/danser-pour-guerir-la-pulsation-du-coeur-du-corps-et-de-la-transe

Épisode 2 :

https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/danse-et-transe-explorer-l-inconscient-avec-france-schott-billmann

Épisode 3:

https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/pulsations-d-espoir-danse-guerison-et-paix-avec-france-schott-billmann-3eme-episode

Les Sens de la Danse, le podcast de Myriam Sellam qui explore le pouvoir du mouvement, semaine après semaine.

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Merci à toutes et tous pour votre écoute, votre fidélité et vos partages.

C’est l’occasion rêvée pour (re)découvrir des épisodes marquants :

✨ France Schott-Billmann, qui nous parle du pouvoir de la transe et du mouvement ancestral
🔥 Veronica Christiny, ambassadrice de la salsa caleña en France
💪 Jemi Van Dijk, champion de pole dance au parcours hors normes
🎩 Aurélien Lehmann, l’art des claquettes avec humour et virtuosité
💫 Sofiane Chalal, entre énergie, poésie et liberté de mouvement

Bel été à vous, et à très vite pour une nouvelle saison encore plus vibrante !

Myriam Sellam

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Elle raconte comment ce groupe a façonné sa carrière et sa vision de la danse comme lieu d’expression, de sororité et d’empowerment.

On parle aussi de transmission, de pédagogie, de style ancré, de lien au corps, et de son engagement au sein du mouvement Afrovibe, qui mêle danses afro-descendantes, fitness et libération.

« Ce n’est pas que de l’entertainment. Quand tu comprends le sens de ces mouvements-là, ta façon de danser change. » — Queensy

🎙️ Un échange mené par Myriam Sellam, créatrice du podcast Les Sens de la Danse, qui explore la danse comme force de transformation, de résistance et de lien.

📍 Disponible sur Spotify, Apple Podcasts, Deezer et toutes les plateformes.

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Belle écoute.

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Dans ce premier épisode du podcast Les Sens de la Danse, partez à la rencontre de Queensy, danseuse, chorégraphe et professeure française, figure incontournable du ragga dancehall en France et en Europe.

Née à Nanterre dans une famille béninoise et martiniquaise, Queensy revient sur ses débuts autodidactes, sa rencontre décisive avec les jumelles Jayane et Kayliss, et la fondation de Blazin’, le premier collectif féminin français référent en ragga dancehall. Elle partage aussi les coulisses de sa participation à La Meilleure Danse sur M6 et ses premières vidéos virales sur YouTube.

🎤 Dans cet épisode, on parle de :

– affirmation de soi à travers le mouvement
– visibilité des femmes noires dans la danse
– expression politique et culturelle par le corps
– résistance, héritage, transmission

— Queensy

✨ Un épisode inspirant sur la puissance du corps, la légitimité, et la naissance d’un feu artistique et identitaire.

🎧 Un podcast produit par Myriam Sellam

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👉 transmettre, créer du lien, faire danser les autres.

Dans ce deuxième épisode, il partage une nouvelle facette de son parcours :
🎙️ son rapport au club et à l’énergie du partage
🎙️ la difficulté d’être juge, quand il faut trancher entre deux styles, deux émotions
🎙️ son rôle dans Casse-Noisette de Blanca Li
🎙️ son amour pour Ivry-sur-Seine et son rêve de festival itinérant
🎙️ son engagement au sein du collectif Enfants Prodiges, et sa volonté de mettre en lumière les femmes du hip-hop

Un épisode plus intime, plus collectif aussi.

Parce que danser, ce n’est pas seulement exister : c’est transmettre un héritage.

🎧 Un podcast de Myriam Sellam disponible sur toutes les plateformes.

🙏 Si l’épisode vous inspire, pensez à vous abonner à Les Sens de la Danse, et à laisser 5 étoiles ⭐⭐⭐⭐⭐ !

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Nelson Ewandé est aujourd’hui le danseur de hip-hop le plus titré au monde.

Mais derrière les trophées, il y a un parcours.
Celui d’un enfant de banlieue bercé par la musique, formé auprès des légendes du popping, marqué par la solitude, et porté par une quête de liberté absolue.

Dans cet épisode, il nous parle de ses débuts, de son rapport viscéral au battle, de la pression mentale, de la paternité… et de la danse comme espace de survie, de vérité, de transformation.

🎧 Une parole rare, puissante, essentielle.

Abonnez-vous à Les Sens de la Danse de Myriam Sellam pour ne rien manquer, et laissez-lui cinq étoiles ⭐⭐⭐⭐⭐ si cet épisode vous touche.

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Après avoir tout quitté pour suivre une passion née d’une simple cassette VHS, elle se forme auprès des plus grands, entre entraînements intensifs, chocs culturels et scènes mythiques.

Elle nous raconte comment, en quelques mois, elle est passée de l’anonymat à la scène du Salsódromo de Cali, avant de s’envoler vers de nouvelles expériences professionnelles au Japon, puis à New York.

C’est aussi le moment du retour : revenir à Paris, et transmettre. Transmettre une danse, un style, une culture.

Un récit puissant sur le courage, la résilience, et l’art de créer sa propre légitimité.

🔎 Dans cet épisode :
– Les coulisses d’un entraînement à Cali
– La scène du Salsódromo
– Son expérience au Japon comme prof de danse
– Son passage à New York auprès des grands noms du mambo
– La création de l’école Salsa Cali Style à Paris
– Les enjeux de la transmission culturelle
– Le regard des autres, la construction de la confiance

💃 Un épisode pour celles et ceux qui aiment la danse, les voyages initiatiques, les trajectoires hors cadre et les ponts entre cultures.

🎧 Abonnez-vous à Les Sens de la Danse, un podcast de Myriam Sellam pour ne pas manquer les prochains épisodes.

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Mais c’est à Cali, capitale mondiale de la salsa, que Veronica Christiny décide de tout quitter. Seule, sans plan B.
Un simple message : "Quand tu seras là, passe à l’école."
Elle prend un billet. Et ce qu’elle va vivre là-bas va tout changer.