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La Grazia de Paolo Sorrentino met en scène un président de la République italienne en fin de mandat, incarné par Toni Servillo, face à un dilemme moral et politique majeur. À ses côtés, Daria D'Antonio et Anna Ferzetti dans des rôles qui complètent un portrait de l'Italie contemporaine à la fois tendre et impitoyable. La direction photo rappelle La Grande Bellezza — cette façon qu'a Sorrentino de filmer Rome et le pouvoir comme s'ils étaient la même chose.

Thomas et Aurélien débattent de La Grazia en se demandant si Sorrentino se répète ou s'il approfondit. Le film est-il à la hauteur de La Grande Bellezza ou de Il Divo ? Toni Servillo est-il encore meilleur que dans leurs collaborations précédentes ? La mélancolie de Sorrentino est-elle toujours aussi juste, ou commence-t-elle à tourner en autoréférence ?

On parle aussi de la réception du film à Venise, du rapport de Sorrentino au temps qui passe — une obsession récurrente depuis Youth — et de ce que La Grazia dit de la politique italienne contemporaine.

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Le bilan cinéma 2025 des Vocaux du Cinéma, c'est l'occasion de revenir sur tous les films chroniqués cette année : Lost Highway, The Brutalist, Alpha, Sirāt, Mission Impossible The Final Reckoning, 28 Ans Plus Tard, et tous les autres. Mais aussi sur des films qu'on n'a pas eu le temps de couvrir en épisode dédié.

Quels sont les meilleurs films de 2025 selon Thomas ? Quels sont ceux d'Aurélien ? Sur quoi sont-ils d'accord — et sur quoi divergent-ils encore ? L'épisode bilan est toujours révélateur des goûts profonds des deux podcasteurs, au-delà des critiques film par film.

On parle aussi de ce que 2025 a représenté pour le cinéma en général : une année de Cannes exceptionnelle ? Un renouveau du cinéma d'auteur français ? La confirmation que le blockbuster américain évolue ?

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis — Thomas à Paris, Aurélien à Marseille. Critique sincère, humour cinéphile, spoilers garantis.

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Résurrection de Bi Gan est un film contemplatif, visuellement hypnotique, narrativement ambigu. Le réalisateur chinois poursuit son exploration des états de conscience, du rêve et de la mémoire avec une maîtrise formelle qui impressionne et déroute à la fois. Le film a décroché le Prix du Jury à Cannes 2025 — une récompense qui dit quelque chose sur la division qu'il a provoquée.

Thomas et Aurélien débattent de Résurrection sans complaisance : est-ce que la beauté des images justifie l'opacité du propos ? Bi Gan est-il un cinéaste qui travaille l'expérience sensorielle ou un cinéaste qui cache son vide derrière la forme ? Le Prix du Jury est-il mérité ?

On parle aussi du rapport de Résurrection à l'hommage au cinéma classique, de l'influence de Wong Kar-wai sur Bi Gan, et de ce que ce film dit de la place du cinéma contemplatif dans les festivals aujourd'hui.

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Arco de Ugo Bienvenu est une science-fiction animée, visuellement ambitieuse, qui raconte l'histoire d'un robot dans un monde en déclin. Le film a été présenté comme l'héritier spirituel de Miyazaki — une comparaison immense qui conditionne forcément la réception. Le studio derrière Arco a investi massivement dans la direction artistique, et ça se voit.

Thomas et Aurélien analysent Arco en se demandant si le film tient ses promesses : l'animation est-elle vraiment au niveau ? Le scénario est-il à la hauteur des ambitions visuelles ? Peut-on raisonnablement comparer Arco à Ghibli sans décevoir tout le monde ? Ugo Bienvenu réussit-il à créer un univers cohérent ?

On parle aussi de la place de l'animation dans le cinéma français, du manque chronique d'ambition des productions animées françaises, et de ce que ça veut dire qu'un film comme Arco existe en 2025.

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis — critique directe, spoilers inclus.

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Nouvelle Vague de Linklater reconstitue le tournage d'À bout de souffle en 1959, avec Jean-Luc Godard derrière la caméra, Jean-Paul Belmondo et Jean Seberg devant. Linklater filme la création d'une œuvre fondatrice du cinéma mondial — avec tout ce que ça implique de mythe, d'anachronisme assumé et de questions sur la légitimité de l'hommage.

Thomas et Aurélien débattent de Nouvelle Vague sous plusieurs angles : Linklater comprend-il Godard, ou l'admire-t-il de loin ? Le film rend-il justice à la Nouvelle Vague française ou l'amériganise-t-il ? Jean-Paul Belmondo est-il bien représenté ? Et est-ce qu'un Américain peut vraiment faire un film sur Godard sans trahir quelque chose ?

On parle aussi du rapport de Linklater au temps et à la mémoire — thématique qui traverse Before Sunset, Boyhood, Everybody Wants Some — et de ce que Nouvelle Vague dit de la cinéphilie comme nostalgie.

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Une Bataille Après L'autre de PTA est un film qui déroute : est-ce un manuel antifa déguisé en comédie de genre ? Est-ce un troll ultime d'un cinéaste qui refuse d'être récupéré politiquement ? Est-ce simplement un film brillant sur la mécanique de la violence collective ? Les deux premiers avis de Thomas et Aurélien divergent radicalement sur le fond.

On analyse Une Bataille Après L'autre dans le contexte de la carrière de Paul Thomas Anderson — de Boogie Nights à Licorice Pizza, en passant par Phantom Thread. PTA continue-t-il d'évoluer, ou commence-t-il à tourner en rond ? La mise en scène est-elle aussi maîtrisée qu'on le dit ?

On parle aussi de la réception critique du film, de son rapport à l'Amérique contemporaine, et de ce que la comédie politique peut faire que le film sérieux ne peut pas.

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis — critique directe, spoilers assumés.

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Sirāt de Oliver Laxe, c'est l'histoire d'un groupe de pèlerins en route vers La Mecque qui se retrouvent pris dans un incendie au Maroc. Sergi López dans un rôle central, une photographie à couper le souffle, une narration qui refuse l'explication. Le film est produit en Espagne et a divisé la presse cannoise avant de repartir avec la deuxième récompense la plus prestigieuse du festival.

Thomas et Aurélien débattent de Sirāt en profondeur : est-ce que le film justifie sa lenteur ? La fin est-elle une résolution ou une esquive ? Oliver Laxe est-il un grand cinéaste ou un cinéaste de la sensation sans fond ? Sergi López est-il bien utilisé dans ce rôle ? La discussion est animée.

On parle aussi du rapport de Sirāt à la spiritualité, à la mort, et de ce que le Grand Prix de Cannes 2025 dit des goûts du jury cette année.

Attention : cet épisode contient des spoilers complets sur Sirāt.

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Alpha de Julia Ducournau est une plongée sensorielle dans le corps, la métaphore de la maladie et la violence de grandir. Le film convoque l'époque du SIDA comme toile de fond tout en racontant une histoire d'éveil et de transformation. La mise en scène de Ducournau est radicale — effets sensoriels, images qui agressent, narration fragmentée.

Thomas et Aurélien débattent d'Alpha sous tous les angles : est-ce que Ducournau maîtrise son propos ou se perd-elle dans ses effets ? Alpha est-il un film sur le corps, sur la maladie, sur l'identité — ou les trois à la fois sans vraiment en explorer aucun ? La récompense cannoise est-elle méritée ?

On parle aussi de la place de Julia Ducournau dans le cinéma français contemporain, de son rapport à la provocation, et de ce que ça veut dire d'être une cinéaste radicale dans un système de financement aussi conventionnel que le cinéma français.

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis — critique directe, spoilers complets, désaccords bienvenus.

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Les Filles Désir suit un groupe de jeunes femmes dans les quartiers nord de Marseille, prises entre l'aspiration à s'en sortir et la violence de leur environnement. Prïncia Car filme avec une caméra naturaliste, proche des corps, proche de la parole — un style qui rappelle les films de la Quinzaine des Cinéastes et la tradition du cinéma social français.

Thomas et Aurélien analysent Les Filles Désir en se demandant si le film réussit à dépasser le cadre du cinéma de banlieue pour atteindre quelque chose de plus universel. Est-ce que la mise en scène naturaliste de Prïncia Car est un choix fort ou une limitation ? Les Filles Désir est-il un film politique assumé ou un film qui use des codes du déterminisme social sans les interroger ?

Un épisode ancré dans le cinéma français contemporain, avec le regard particulier d'Aurélien sur Marseille.

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis. Critique sincère, spoilers inclus.

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28 Ans Plus Tard est sorti en 2025, avec Jodie Comer, Aaron Taylor-Johnson et Ralph Fiennes dans un monde où le virus Rage a transformé le Royaume-Uni en zone de quarantaine. Le film marque le retour de Danny Boyle et du scénariste Alex Garland sur cette franchise — avec une ambition visuelle affirmée et des séquences d'action qui cherchent à dépasser le premier film.

Thomas et Aurélien décortiquent 28 Ans Plus Tard séquence par séquence. On débat de l'évolution du virus, des personnages, de la logique interne du monde, et des séquences de combat qui font beaucoup parler. Jodie Comer est-elle à la hauteur ? Ralph Fiennes est-il bien utilisé ? Et Danny Boyle réussit-il à se réinventer ?

On parle aussi du rapport de 28 Ans Plus Tard au contexte politique britannique post-Brexit, et de ce que le film de zombies dit de la société dans laquelle il est produit.

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Ballerina suit Eve Macarro, une tueuse formée dès l'enfance dans une organisation secrète liée à la Table, qui cherche à venger le meurtre de sa famille. Ana de Armas se retrouve dans un film d'action chorégraphié, avec des séquences de combat qui mêlent ballet classique et violence de l'univers John Wick. Len Wiseman à la réalisation, Chad Stahelski à la production.

Est-ce que la danse classique comme base de combat fonctionne à l'écran ? Ana de Armas est-elle convaincante dans ce registre ? Et surtout — Ballerina ajoute-t-il quelque chose à l'univers John Wick ou n'est-il qu'un produit dérivé de plus ? Thomas et Aurélien débattent de Ballerina avec leur franchise habituelle.

On parle aussi de la choreography des scènes de combat, du rapport entre danse et violence au cinéma, et de l'économie des franchises d'action hollywoodiennes.

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis — Thomas à Paris, Aurélien à Marseille — qui se partagent leurs avis via vocaux. Critique directe, spoilers inclus.

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Mission Impossible The Final Reckoning est censé clore la série entamée en 1996. McQuarrie assemble les fils laissés par Dead Reckoning, multiplie les cascades pratiques signées Cruise, et tente de donner un sens narratif à une mythologie de l'espionnage construite sur l'action pure. Simon Pegg, Ving Rhames, Rebecca Ferguson — toute la troupe est là.

Mais est-ce que The Final Reckoning tient ses promesses ? La fin est-elle à la hauteur de la saga ? Et surtout — peut-on raisonnablement juger un Mission Impossible sans avoir revu les épisodes précédents ? Thomas ne les a pas tous revus. Aurélien, si. Ce déséquilibre produit une critique de Mission Impossible The Final Reckoning à deux vitesses, honnête et drôle.

On parle du rapport de la saga au temps qui passe, des cascades de Cruise comme performance artistique, et de ce que représente la fin d'une franchise de cette ampleur dans le paysage du cinéma commercial.

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis qui débattent sans filtre.

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The Doors est un biopic musical sorti en 1991, avec Val Kilmer dans la peau de Jim Morrison d'une façon qui reste, encore aujourd'hui, l'une des performances les plus totales de l'histoire du biopic. Meg Ryan, Kyle MacLachlan, et une reconstitution de l'époque hippie californienne qui est à la fois radiographie d'une époque et portrait intime d'une descente.

Thomas et Aurélien débattent de ce que représente The Doors aujourd'hui : est-ce un film qui a vieilli ? Oliver Stone y livre-t-il une vision romantisée et problématique de Morrison, ou le film est-il plus nuancé qu'on ne le dit ? Et surtout — peut-on voir The Doors sans parler de Val Kilmer ?

On parle aussi de la carrière de Val Kilmer, de Batman Forever, de Heat, de Tombstone, et de ce regard particulier qu'il avait à l'écran. Un épisode hommage, habité, qui sort un peu du format habituel des Vocaux du Cinéma.

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Mickey 17 raconte l'histoire de Mickey Barnes, un homme qui s'est engagé comme cobaye jetable lors d'une mission de colonisation interstellaire. À chaque mort, il est recloné. À la mort numéro 17, il se retrouve face à lui-même — son clone de remplacement, Mickey 18. La satire politique est évidente, la référence à Trump assumée.

Mais Mickey 17 est-il à la hauteur de Parasite ? Bong Joon-ho livre-t-il une comédie de science-fiction brillante ou un film raté malgré ses ambitions ? Robert Pattinson est-il convaincant dans ce double rôle comique ? C'est là que Thomas et Aurélien divergent radicalement. Cette critique de Mickey 17 est l'une des plus animées du podcast.

On analyse la satire politique du film, le rapport de Bong Joon-ho à la comédie, et ce que Mickey 17 dit du capitalisme et des classes sociales — une thématique récurrente dans son cinéma depuis Snowpiercer.

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma où deux amis débattent sans filtre des films du moment.

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Queer se déroule dans le Mexico des années 1950. Daniel Craig y incarne Lee, un expatrié américain qui se noie dans l'alcool, la drogue et une obsession pour un jeune homme mystérieux joué par Drew Starkey. Guadagnino filme le désir avec sa flamboyance habituelle — on pense à Call Me By Your Name, à Bones and All — mais Queer est un film plus sombre, plus désespéré.

Est-ce que Guadagnino réussit là où l'adaptation de Burroughs semblait impossible ? Daniel Craig est-il convaincant dans ce registre radicalement différent ? Thomas et Aurélien analysent Queer avec l'honnêteté qui caractérise Les Vocaux du Cinéma — pas de condescendance, pas de bienveillance de façade.

On parle aussi de la démarche surréaliste du roman de Burroughs, du rapport au corps dans le cinéma de Guadagnino, et de ce que ce film dit sur la solitude masculine.

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The Brutalist raconte l'histoire de László Tóth, architecte hongrois juif exilé aux États-Unis après la Seconde Guerre mondiale, interprété par un Adrien Brody habité. Face à lui, Guy Pearce en mécène américain ambigu, et Felicity Jones dans un rôle de femme effacée qui cache une résistance intérieure. Le film est produit par A24, ce qui explique en partie l'ambition formelle.

Mais The Brutalist mérite-t-il toute la hype qu'il a générée ? Est-il vraiment le grand film américain de la décennie, ou une œuvre qui s'enivre de sa propre grandeur ? Thomas et Aurélien ne sont pas d'accord. Cette critique de The Brutalist est longue, complète, avec spoilers — parce que ce film le mérite.

On parle de la direction artistique, de l'architecture brutaliste comme métaphore de l'exil et de l'identité, du rapport du film à l'histoire américaine contemporaine, et de la performance d'Adrien Brody qui est, objectivement, exceptionnelle.

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Presence est un film de 2025, avec Lucy Liu dans le rôle d'une mère de famille qui emménage dans une maison hantée. Mais hantée comment ? Le film refuse les codes du genre. Pas de jump scares, pas de révélation horrifique : Soderbergh joue sur la suggestion, l'atmosphère, et une mise en scène radicale qui transforme le spectateur en fantôme.

Est-ce que ça marche ? Thomas et Aurélien ne sont pas tout à fait d'accord. Dans cette critique de Presence, on débat du dispositif formel choisi par Soderbergh, de son rapport à l'expérimentation dans une carrière déjà hors norme, et de ce que ça dit du cinéma de genre en 2025.

On parle aussi de la démarche guérilla de Soderbergh — petit budget, tournage rapide, distribution maîtrisée — et de pourquoi ce film mérite plus d'attention qu'il n'en a reçu.

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Lost Highway de David Lynch, c'est un film noir, labyrinthique, inclassable. Bill Pullman y incarne Fred Madison, un saxophoniste qui se retrouve soupçonné du meurtre de sa femme avant de se transformer, mystérieusement, en un autre homme. Patricia Arquette joue les deux femmes au cœur du mystère. Balthazar Getty complète ce triangle trouble. Lynch installe une atmosphère de malaise permanent, entre rêve éveillé et cauchemar logique.

Mais Lost Highway est-il un chef-d'œuvre méconnu de Lynch ou une œuvre qui a vieilli ? Est-ce un film à part entière ou surtout un objet de cinéphile ? C'est la question que posent Thomas et Aurélien dans cette critique de Lost Highway, avec spoilers, désaccords et souvenirs personnels.

Dans cet épisode de critique cinéma, on parle aussi de la filmographie de Lynch, de Mulholland Drive, de Twin Peaks, et de ce que représente la mort d'un cinéaste aussi singulier pour la culture pop.

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis — Thomas à Paris, Aurélien à Marseille — qui débattent des films via messages vocaux. Pas de jargon, pas de prétention : juste deux cinéphiles passionnés qui assument leurs opinions.

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