Ses projets récents, dont son album "Polaris" et le court-métrage "Phoenix", témoignent de son désir d'expérimenter et d'explorer de nouvelles formes d'art. Elle nous invite à réfléchir sur l'importance de la liberté artistique et du processus créatif, tout en partageant des réflexions profondes sur la résilience nécessaire dans l'industrie musicale actuelle.

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Auteur, compositeur, interprète, comédien, chroniqueur… François Morel est un artiste aux multiples facettes, qui navigue entre théâtre, radio et musique avec une énergie toujours aussi débordante. Des Deschiens à France Inter, il pose un regard sur le monde à la fois tendre et malicieux.
Un entretien exclusif enregistré dans l’Auditorium de la Sacem avec son complice de longue date, l’auteur, compositeur et interprète Antoine Sahler.

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Joachim Garraud devient dès le début des années 2000 l’un des producteurs français les plus influents. Il collabore avec d’autres artistes internationaux tels que David Bowie, Kylie Minogue, Beyonce ou encore Ceronne, Bob Sinclar et Jean-Michel Jarre.

Il est aujourd’hui l’invité de Parcours Croisés.
Un entretien mené par le journaliste Jean-Paul Deniaud ex-rédacteur de Traxx et co-fondateur de Pioche Magazine, avec la participation de la musicienne, productrice, compositrice, autrice et interprète DeLaurentis, enregistré dans l’Auditorium de la Sacem.

Crédits :
Montage : Capucine Rouault, 
Réalisation et mixage : Charles Collin

Production :  Eloïse Normand.

Un podcast proposé par la Sacem.

Merci à l’équipe de Louie Creative, l’agence de création de contenu de Louie Media.

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Jérémy Ferrari est l’invité du premier épisode de ce podcast Parcours Croisés
Retour sur ses débuts, ses succès, mais aussi ses doutes ou ses errances. 

Révélé au début des années 2010 dans l’émission On n’demande qu’à en rire, Jérémy Ferrari figure parmi les plus grands humoristes de sa génération.  

À ses activités d’humoriste, d’auteur et d’acteur s’ajoute une carrière de producteur d’artistes, de festivals et de programmes télévisuels.
Entrepreneur aguerri, il a créé et dirige 6 entreprises, dont sa propre billetterie.

Son ambition est claire : offrir au public des créations originales.

Un entretien mené par l’actrice et humoriste Joséphine Draï, enregistré dans l’Auditorium de la Sacem.

Crédits :
Montage : Capucine Rouault, 
Réalisation et mixage : Charles Collin

Production :  Antoine Vialle Braun.

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Le Metal est né dans le tumulte des années 70 alors que la société s’émancipait socialement et culturellement sous l’influence du mouvement hippie.

Depuis les années 2000, il prend de nouvelles directions et ose quelques expérimentations.

Pour ce nouvel épisode de Parcours Croisés, l’auteur-compositeur-interprète Aldebert reçoit Etienne Bianchi du groupe Shaârghot, Stéphane Buriez chanteur de Loudblast, groupe pionnier du genre et Lola Frichet, bassiste du groupe punk/metal de Pogo Car Crash Control.

Ensemble, ils reviennent sur la genèse du metal et son industrie.   

Crédits :
Montage : Capucine Rouault, 
Réalisation et mixage : Charles Collin

Production :  Antoine Vialle Braun.

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Le souffle au cœur, c'est ainsi que l'on pourrait qualifier l'étonnante et si prolixe carrière d'un musicien aussi multiple que discret. Un instrumentiste éclectique capable d'interpréter avec la même rigueur, musique classique, folklore ou free-jazz, d'écrire des musiques de films ou de collaborer avec les plus grands jazzmen internationaux.

Compositeur et improvisateur virtuose, il est plusieurs artistes en un seul. Un artiste qui souffle comme il respire, ou plutôt respire comme il souffle saxophone, clarinette, flûte et autres tuyaux bien embouchés.

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Octobre 2004, William Sheller reçoit Philippe Barbot chez lui, au cœur de la forêt solognote.  

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Le podcast s'ouvre sur une rétrospective de la rencontre décisive entre Gérard Calvi et Robert Derry, le créateur de la troupe des Branquignols. Ensemble, ils ont révolutionné le théâtre musical français, notamment avec le spectacle "Allez, belles bacantes". Gérard partage des anecdotes inédites sur ces spectacles qui ont marqué une génération, ainsi que sur la musique qu'il a composée, révélant les coulisses de sa créativité débordante.

Au fil de cet épisode, vous découvrirez comment Calvi a su naviguer entre Paris, Londres et Broadway, où ses œuvres ont connu un immense succès. Grâce à des extraits musicaux soigneusement sélectionnés, chaque histoire prend vie, illustrant l'impact indélébile de la musique de Calvi sur le théâtre français. Ce deuxième épisode est non seulement une plongée dans l'univers musical des Branquignols, mais aussi un hommage vibrant à la créativité et à l'innovation de Gérard Calvi dans le monde du spectacle.

Ne manquez pas cette occasion unique de découvrir les coulisses de la création musicale et théâtrale, et laissez-vous inspirer par le parcours exceptionnel d'un artiste qui a su marquer son époque. Que vous soyez passionné de musique, de théâtre ou simplement curieux d'en savoir plus sur l'univers des auteurs et compositeurs, cet épisode est fait pour vous.

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Au fil de cette conversation, Gérard Calvi partage des expériences marquantes de sa carrière, notamment la création de spectacles au prestigieux Théâtre du Châtelet, où il a su allier créativité et innovation. Il nous parle également de son travail sur des ballets tels que 'La Colline du Delta', une œuvre hommage à Sidney Bechet, qui témoigne de son profond respect pour les grands noms de la musique. En tant qu'ancien président de la Sacem, Calvi souligne l'importance cruciale de défendre les droits d'auteur, un sujet qui lui tient particulièrement à cœur, et explique comment il a réussi la transition de compositeur à président tout en continuant à nourrir sa passion pour la composition.

Les anecdotes fascinantes sur ses collaborations avec des figures emblématiques telles que Marcel Achard et Eugène Ionesco enrichissent ce récit, offrant un aperçu unique des coulisses de la création musicale. Chaque moment partagé par Calvi est une invitation à redécouvrir la richesse de la musique française et à apprécier le travail de ceux qui œuvrent dans l'ombre pour faire vivre nos mélodies préférées.

Ce podcast se termine sur des réflexions profondes concernant l'héritage musical de Gérard Calvi et son impact indélébile sur la culture française. Il nous rappelle que la musique est non seulement un art, mais aussi un vecteur de mémoire collective, un moyen de transmettre nos émotions et nos histoires à travers les générations. Ne manquez pas cet épisode exceptionnel qui célèbre la passion, la créativité et l'engagement des compositeurs au sein de la Sacem.

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Au cœur de la discussion, la carrière impressionnante de Gérard Calvi est mise en lumière, notamment sa relation professionnelle et amicale avec Pierre Tchernia, un réalisateur qui a su allier créativité et innovation. Cet épisode vous invite à redécouvrir les musiques de films emblématiques sur lesquelles Calvi a travaillé, en particulier celles qui ont vu le jour grâce à sa collaboration avec Tchernia. Des anecdotes savoureuses sur ses expériences de composition sont partagées, offrant un aperçu du contexte musical des années 60, période durant laquelle le twist a connu un essor fulgurant.

Pierre Tchernia, quant à lui, raconte avec passion comment il a rencontré Gérard Calvi et comment leur parcours commun a façonné le paysage théâtral et télévisuel français. Ensemble, ils discutent de l'importance cruciale de la liberté d'expression artistique après la guerre, un thème qui résonne encore aujourd'hui. Leur dialogue vibrant met en avant comment leurs collaborations ont non seulement enrichi leurs travaux respectifs, mais ont également participé à l'évolution de la culture musicale française.

Pour conclure cet épisode enrichissant, Gérard Calvi partage un aperçu de ses projets futurs, tout en rendant hommage à l'impact indélébile qu'il a eu dans le milieu musical français. Que vous soyez passionné par la musique de film, le théâtre, ou simplement curieux d'en apprendre davantage sur le processus créatif, cet épisode est une véritable mine d'or d'informations et de réflexions.

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Au fil de notre conversation, Gérard Calvi nous entraîne dans ses expériences avec des instruments innovants comme les ondes Martenot, révélant ainsi son amour pour la musique et son engagement à créer des compositions qui s'intègrent harmonieusement aux images. Les défis de la composition de musiques de film sont également au cœur de notre échange, où il nous explique son processus de collaboration avec les réalisateurs.

Mais ce n'est pas tout ! Gérard nous parle également de son travail sur des dessins animés iconiques tels qu'Astérix, offrant un aperçu précieux de l'art de composer pour le cinéma d'animation. Cet épisode est bien plus qu'une simple interview ; c'est un véritable hommage à l'héritage musical de Gérard Calvi et une exploration des coulisses de la composition musicale.

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Gérard Calvi nous raconte ses débuts dans le monde de la musique, où sa passion pour le piano et son enfance au conservatoire ont posé les fondations d'une carrière riche et variée. À travers des anecdotes personnelles et des réflexions profondes, il partage avec nous ses influences musicales, notamment la musique classique et le jazz, qui ont joué un rôle crucial dans son évolution artistique. Les rencontres marquantes avec des figures emblématiques comme Charles Trenet et Francis Blanche enrichissent ce récit, mettant en lumière l'importance des collaborations dans le parcours d'un compositeur.

Nous explorons également les débuts de Calvi dans le milieu musical des années 30 et 40, une époque charnière pour la chanson française. Son engagement durant la Seconde Guerre mondiale témoigne de son courage et de sa détermination à faire entendre sa voix à travers la musique, même dans les moments les plus sombres. Ce premier épisode est une véritable leçon d'histoire musicale, où chaque note et chaque mot résonnent avec émotion.

Les chapitres de cet épisode sont jalonnés de réflexions sur l'évolution de la musique française, des anecdotes touchantes et des conseils pour les jeunes créateurs. Que vous soyez passionné de musique, étudiant ou simplement curieux, cet entretien avec Gérard Calvi vous plongera dans un univers riche en émotions et en inspirations. Ne manquez pas cette occasion de découvrir l'homme derrière la musique et d'en apprendre davantage sur son parcours exceptionnel.

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On a souvent dit de lui qu'il était le "dernier des géants". Le premier, plutôt tant la qualité et la longévité de sa carrière en ont fait le chanteur français le plus populaire dans le monde entier.  Avec plus de sept décennies d'activité artistique, il demeure l'un des auteurs et compositeurs les plus influents de l'époque.  

Février 1986, dans la petite ville de Cologny, nichée sur les hauteurs de Genève. C'est là que Charles Aznavour reçoit Philippe Barbot.   

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Dan Lévy a produit des titres pour Jeanne Added, Las Aves, Lou Doillon, Laura Cahen, Thomas Azier. Il a aussi composé la musique du film J’ai perdu mon corps, de Jérémy Clapin, pour laquelle il a reçu un César.
Enfin, le multi-instrumentiste est aux manettes de Scarr, un projet électro-pop où il laisse la vedette à un double virtuel.   

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Au fil de la conversation, Yarol met en lumière l'importance des studios d'enregistrement et de la créativité musicale. Il aborde également ses collaborations avec divers artistes, soulignant le rôle essentiel du partage et de l'enrichissement culturel dans le processus créatif. Les défis de l'écriture de chansons, notamment en français, sont également évoqués, révélant les nuances et les subtilités qui rendent cette tâche si délicate mais gratifiante.

Un autre sujet captivant est l'évolution de la scène rock, que Yarol observe avec attention. Il évoque les changements que la musique a connus, notamment l'impact du confinement sur les artistes et l'émergence d'un nouvel intérêt pour la guitare. Ce retour aux sources rappelle que, malgré les défis, la passion pour la musique reste intacte et que chaque membre d'un groupe contribue à cette aventure collective unique.

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François Rauber, dont le parcours est jalonné de collaborations prestigieuses, nous fait découvrir ses débuts modestes en tant que pianiste dans des cabarets parisiens, où il a eu la chance de croiser la route de Jacques Brel. Cette rencontre décisive a non seulement changé le cours de sa carrière, mais a également contribué à façonner l'identité musicale de la chanson française. Au fil de l'épisode, Rauber partage des anecdotes poignantes sur ses expériences uniques avec des artistes tels que Juliette Gréco, et nous plonge dans l'ambiance électrique des concerts de Brel à l'Olympia.

Nous explorons également la période charnière où Brel a quitté le label Philips pour rejoindre Eddie Barclay, une transition qui a eu un impact significatif sur sa musique. Rauber nous éclaire sur les moyens techniques mis à disposition pour les enregistrements de Brel, révélant ainsi les coulisses d'une production musicale de haut vol. En compagnie d'autres intervenants tels que Roger Berthier, nous découvrons l'énergie créative qui régnait au sein de l'orchestre de Rauber, ainsi que la dynamique entre les musiciens lors des séances d'enregistrement.

Entretien avec Serge Elhaïk, passionné par les chefs d’orchestres-arrangeurs de la chanson française, il collabore depuis de nombreuses années avec France Musique où il raconte l’histoire de ces musiciens. Il est l’auteur de l’ouvrage « Les Arrangeurs de la chanson française. 200 rencontres » paru chez Textuel en 2018.  Cet ouvrage fruit de trente années de recherches réunit les 200 plus grands arrangeurs français. 

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Au fil de cet entretien captivant, François partage des anecdotes poignantes sur sa collaboration avec Brel, notamment son rôle essentiel dans l'orchestration de certaines chansons emblématiques comme "Ne me quitte pas". Il aborde l'importance de l'interaction directe entre le chanteur et l'orchestre lors des enregistrements, une méthode qu'il considère cruciale pour capturer l'essence même des performances de Brel. Cette dynamique unique a permis de créer des moments musicaux inoubliables, témoignant de la complicité entre Brel et Rauber.

François nous parle également de son parcours musical, de son éducation au conservatoire, et de l'impact indéniable de la guitare sur la chanson française. Il souligne comment cet instrument a enrichi la palette sonore des artistes de son époque, contribuant à l'évolution de la musique francophone. À travers ses récits, l'épisode met en lumière l'influence durable de leur collaboration et l'héritage laissé par Jacques Brel, un monument de la chanson française.

Entretien avec Serge Elhaïk, passionné par les chefs d’orchestres-arrangeurs de la chanson française, il collabore depuis de nombreuses années avec France Musique où il raconte l’histoire de ces musiciens. Il est l’auteur de l’ouvrage « Les Arrangeurs de la chanson française. 200 rencontres » paru chez Textuel en 2018.  Cet ouvrage fruit de trente années de recherches réunit les 200 plus grands arrangeurs français. 

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Une rencontre en forme d'exploration sonore pour redécouvrir le parcours d'une personnalité, sonder ses inspirations et faire l’état des lieux de ses projets. 

Quelle est la véritable essence de la création musicale ? Dans cet épisode d'"Entretiens avec des auteurs, compositeurs, éditeurs Sacem", nous avons le plaisir d'accueillir Imany, une artiste passionnée qui a récemment enregistré son dernier album, "Voodoo Cello", au Subversive Soul Studio à Pantin. Imani vous invite à plonger dans son univers musical, où chaque note raconte une histoire et chaque silence a son importance.

Au fil de cette conversation enrichissante, Imany partage son parcours musical unique, ses inspirations variées et les défis qu'elle a dû surmonter, notamment un burn-out qui l'a poussée à faire une pause dans sa carrière. Elle aborde avec franchise l'importance de créer un environnement de travail agréable et personnel en studio, intégrant des objets qui lui tiennent à cœur, afin d'alimenter sa créativité. Cette approche lui permet de transformer des reprises de chansons célèbres en y ajoutant sa touche personnelle, tout en abordant des thèmes sociaux pertinents à travers sa musique.

Imany nous révèle également son processus créatif, qui implique une collaboration étroite avec des violoncellistes et l'exploration de nouveaux sons. Cette dynamique de travail met en avant la passion d'Imany pour la musique et son engagement à exprimer des messages forts à travers son art. Dans cet épisode, vous découvrirez comment la Sacem soutient les artistes comme Imani, leur offrant les ressources nécessaires pour s'épanouir dans leur carrière musicale.

La discussion se termine par une réflexion profonde sur l'héritage culturel et l'importance de la musique dans notre vie quotidienne. Imany nous rappelle que la musique est bien plus qu'un simple divertissement ; elle est un vecteur de changement, un moyen d'expression et un lien entre les générations.

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Il partage avec passion son parcours, débutant à l'âge de 8 ans grâce à l'influence de son père, fervent amateur de danse. Il nous raconte ses débuts dans le musette, ses influences swing et son parcours académique en électronique, qui a enrichi son approche musicale. En 1983, il prend la décision audacieuse de faire de la musique son métier, un choix qui le propulse vers un avenir brillant après avoir remporté un concours d'accordéon prestigieux.

Au fil de cette discussion enrichissante, Jean-Robert évoque ses compositions, ses collaborations avec des artistes emblématiques tels que Charles Trenet, et son rôle en tant que présentateur d'une émission de télévision dédiée à l'accordéon. Il nous offre également une analyse approfondie de l'évolution de l'accordéon à travers les décennies, tout en encourageant les jeunes musiciens à puiser leur inspiration auprès des grands noms qui ont façonné ce genre musical.

Jean-Robert insiste sur l'importance cruciale de s'adapter aux goûts du public tout en restant fidèle à soi-même en tant qu'artiste. Cette réflexion est d'une grande valeur pour tous ceux qui souhaitent se lancer dans la musique ou approfondir leur compréhension de cet instrument emblématique. L'épisode est ponctué de conseils pratiques et d'anecdotes personnelles qui rendent cette conversation d'autant plus vivante et inspirante.

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Michel, fort de ses années d'expérience, partage comment son père a éveillé en lui une passion précoce pour la musique. Sa carrière, marquée par des défis et des succès, l'a conduit à établir un record du monde d'endurance à l'accordéon, une aventure qu'il raconte avec une sincérité touchante. D'un autre côté, Nathalie, jeune et audacieuse, évoque son parcours singulier, de la cabrette à l'exploration de nouveaux répertoires. Son désir d'innovation et son approche du répertoire folklorique auvergnat témoignent de la richesse et de la diversité de la musique contemporaine.

Au fil de la conversation, nos invités abordent des thèmes essentiels tels que l'évolution de l'accordéon dans le paysage musical actuel, les influences qui ont jalonné leur parcours, et l'impact des droits d'auteur sur leur carrière. Ils soulignent également l'importance de la Sacem, véritable pilier pour les artistes, en garantissant la protection de leurs œuvres et en leur offrant un soutien inestimable.

Ce dialogue intergénérationnel entre Michel et Nathalie met en lumière les défis et les joies d'être musicien aujourd'hui. Leur passion commune pour l'accordéon résonne tout au long de l'épisode, célébrant ainsi la richesse d'un instrument souvent sous-estimé. Que vous soyez un mélomane averti ou simplement curieux de découvrir les histoires derrière la musique, cet épisode est fait pour vous.

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Au fil de la discussion, Marc partage son parcours fascinant, évoquant les défis qu'il a dû surmonter pour maîtriser cet instrument emblématique, influencé par les sonorités vibrantes de la musique de Louisiane. Il nous plonge dans ses rencontres avec des musiciens traditionnels, notamment des figures marquantes du folk et du revivalisme occitan, qui ont nourri sa passion et son inspiration. Cet épisode met en lumière l'importance de la musique traditionnelle dans son répertoire et son engagement à la préserver.

Marc Perrone nous parle également de son évolution en tant que compositeur, de ses participations à divers projets cinématographiques et de la manière dont la musique diatonique enrichit l'expérience de la danse. Il encourage les jeunes musiciens à explorer leur créativité et à ne pas hésiter à se tourner vers les racines de la musique pour trouver leur propre voie. Cet entretien est une véritable ode à la passion et à l'engagement de Marc envers la musique traditionnelle et l'accordéon, offrant aux auditeurs une perspective inédite sur cet univers musical.

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Et bien plus. Car Jacques Joseph Higelin, qui nous a quitté le 6 avril 2018, était un artiste à la démesure réjouissante : à la fois poète, bateleur, conteur, funambule, bête de scène et de cirque, showman et shaman, tête en l’air et amoureux impénitent, tombé du ciel mais gardant la tête dans les étoiles.

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Quelques semaines avant la sortie, Philippe Barbot le rencontre dans une brasserie des Abbesses. Un Bashung amaigri par la maladie, le crâne dissimulé par une petite casquette, mais toujours cordial et disert. 

Une interview, la toute dernière hélas, choisie parmi une dizaine d’autres accordées au fil de sa carrière, parce que sans doute la plus complète et, évidemment, la plus émouvante...

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En mai 2009, quatre mois avant la sortie d'un autre disque consacré à Claude Nougaro, qui la considérait comme sa digne héritière, Philippe Barbot s'installe en sa compagnie dans le salon d'un hôtel parisien. 

S'il est évidemment question du truculent poète toulousain et de leur admiration réciproque, même s'il n'a jamais écrit pour elle, l'échange est aussi l'occasion pour la « voix d'or de la chanson francophone » de parler d'elle.

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Le monstre sacré se laisse aller à quelques confidences, parle astrologie, explique comment il choisit ses chansons, et comment il prépare sa voix. 

S'il confirme sa préférence pour le live, celui qui fut une véritable bête de scène confesse avoir toujours le trac avant chaque concert. 

À table avec Johnny, rockeur gastronome, simple, accessible, qui fêterait quelques semaines plus tard ses 60 ans.

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Eh oui, Yvette Horner, la reine de l’accordéon, du 14 juillet, du Tour de France et des bals populaires, le symbole français d’un instrument bien de chez nous. 

Cette interview date de janvier 1990, et à l’époque Yvette Horner était devenue très branchée. Le couturier Jean-Paul Gaultier s’était intéressé à elle, l’avait habillée et ils avaient même tourné un clip vidéo ensemble. 

De plus, Yvette Horner venait d’enregistrer un album sur lequel elle reprenait des airs de Michael Jackson et David Bowie... on ne peut pas faire plus branché. 

L’interview s’est déroulée à Nogent sur Marne, chez Yvette Horner, et j’en ai gardé un souvenir ému puisque dans sa maison, tout était en forme d’accordéon.

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D’abord à cause de la pochette, sur laquelle le grand Serge pose maquillé, avec khol, sur les paupières, rouge à lèvres et fume cigarette, un cliché du photographe William Klein. 

Le titre de l’album "Love on the beat" est aussi celui de la chanson la plus remarquée du disque. Une sorte de "Je t’aime moi non plus" revisitée façon bande son de film porno... 

Prétexte à aller questionner le responsable dans son antre de la rue de Verneuil. Un entretien qui nécessite de tendre l’oreille, tant la diction de l’artiste, pour être légendaire, n’en est pas moins souvent plus proche du marmonnement intime que de la conversation conviviale. 

Une interview ponctuée aussi du claquement régulier de son briquet zippo, car si Dieu est un fumeur de Havanes, Gainsbourg, on le sait inhalait plutôt des Gitanes.

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Au cours d’une émission de variétés présentée par l’ineffable Guy Lux à une heure de grande écoute, une chanson a écorché les prudes oreilles de nombreux téléspectateurs. Il s’agit de "Fernande", sémillant hymne érectile farouchement hétéro, interprété par son polisson d’auteur, Georges Brassens. 

Emoi, protestations, lettres indignées, standard téléphonique au bord de l’explosion, la rédaction du magazine dans lequel œuvre alors votre serviteur est sur le pied de guerre : mission, aller interviewer le pornographe du phonographe pour qu’il s’explique sur le tohu-bohu par lui involontairement provoqué. 

Résultat, me voilà un beau matin devant les grilles de l’auteur du Gorille, magnétophone antédiluvien sous le bras, un vieux machin à K7 dont même un brocanteur ne voudrait plus aujourd’hui. 

Ce qui explique évidemment la piètre qualité technique de l’enregistrement de cette conversation, qui va pourtant prendre un tour inattendu : car un Brassens en verve fera durer l’interview pendant près de deux heures. Nous sommes dans le 15ème arrondissement de Paris, au n°42 de la rue Santos Dumont, domicile du célèbre barde anar moustachu.

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